INTERREGNO: SENTIDO

APROPRIAÇÃO, PROPRIAMENTE DITA

Por negarmos os desígnios de outrém e, na medida de nosso poder, utilizarmos o sentimento alheio somente para satisfação dos nossos fins; denota-se, à primeira vista, que o amor não é uma exceção. O amor também é, pois, vontade de poder. Apenas, em vez de pretender a conquista de um simples objeto, almeja um sujeito; reclama desse sujeito uma modalidade especial de apropriação, qual seja, a posse de uma liberdade como liberdade propriamente dita.
No amor, não se deseja à pessoa amada qualquer indício de auto-estima, mas, contrariamente, se busca através dela justificar, confirmar a si mesmo a sua individual existência.
Esta concepção, todavia contraditória, não evita o conflito. Porque o enamorado nutre-se do 'eu' da pessoa a quem declara o seu amor, aspirando perder-se na debilidade dessa "coexistência". Contudo, quando se realizasse essa fusão, teria perdido aquele a quem ama, reencontrando a solidão do seu 'eu'.
Além disso, se amar é querer ser amado, é então também desejar que o outro queira que nós o amemos, ou seja, que o outro tenha necessidade de nós.
Tal qual as demais relações humanas, o amor constitui um escamoteado conflito, uma trama de dissimulações onde os esforços são dirigidos a superioridade de um sobre o outro.
Por isso, a existência, que se imaginaria um bem supremo condicionado a uma única consciência, torna-se um mal pelo fato de o outro existir, de modo a gerar o anseio de dominação, tendente à força do poder.

AVESSO

Se por 'liberdade' devessemos entender sucessão de segmentos ("a minha termina onde começa a sua"), forçados seríamos a admitir que ela, a 'liberdade', é sempre fragmentada. Penso que o "onde" sequer existe no processo de construção da liberdade. Em seu lugar, somente 'aonde' é que cada um de nós, e juntos, seremos todos livres, compartilhando isso que é 'dimensão' e não 'condição'. Porque 'para onde' é meta predeterminada; 'por onde', o rumo, a rota da caminhada.
O que aprendemos desde crianças foi o legado da apreensão de preceitos que, irrefletidamente, também os transmitimos, pela via dos preconceitos.
Exortar a humildade como atributo individual é vangloriar-se às avessas. Eu sou avesso ao mimetismo das metamorfoses do caráter.

TECNICISMO: PATRIARCADO DA DOMINAÇÃO

Aqueles que dominam a natureza são os mesmos indivíduos aptos à autodominação. O projeto de toda 'racionalidade de controle da natureza' é inerente ao 'patriarcado'. Submete-a ao homem, inviabilizando qualquer idealizada emancipação.
No sentido mais abrangente de um pensar dirigido ao progresso, a 'razão' persegue a meta de livrar os seres humanos do medo, tornando-os 'senhores' do mundo onde vivem. Contudo, a terra resplandece sob o signo do infortúnio vitorioso. A pretensão de dissolver os mitos e eliminar a imaginação através do 'saber', tanto quanto a comunhão do entendimento dos homens com a natureza das coisas, são, ambas, essencialmente 'patriarcais'.
Do 'entendimento', triunfante sobre a superstição, exige-se voz de comando sobre a natureza livre de crendices. E é a 'técnica' o cerne desse 'saber'. Via de consequência, por objetivo não busca os conceitos ou as imagens, nem o prazer da contemplação, mas sim o método, a exploração do trabalho alheio, ansiando acumular e concentrar o capital.
O que de fato alguns homens querem aprender da natureza é como aplicá-la a fim de, dominando-a, subjugar os demais, os que não possuem igual conhecimento.

UNDERGROUND

Os Beatniks foram um movimento socio-cultural nos anos 50 e princípios dos anos 60que subscreveram um estilo de vida anti-materialista, na sequência da 2.ª Guerra Mundial.
História
O autor Jack Kerouacintroduziu a frase "Geração Beat" em 1948, generalizada do seu círculo social para caracterizar o submundo de juventude anti-conformista, reunida em Nova Iorque naquele tempo. O nome surgiu numa conversa com o novelista John Clellon Holmes(que publicou um romance sobre a Geração Beat, Go, em 1952), junto com um manifesto no The New York Times: "This Is the Beat Generation". Em 1954, Nolan Miller o seu terceiro romance, Why I Am So Beat, relatando as festas de fim-de-semana de quatro estudantes.
O adjetivo "beat" foi introduzido ao grupo por Herbert Huncke, embora Kerouac tenha expandido o significado do termo. "Beat" fazia parte do calão do submundo – o mundo dos vigaristas, toxicodependentes e pequenos ladrões, onde Ginsberg e Kerouac procuraram inspiração. Beat era o calão para "beaten down" ou "downtrodden", ambas expressões que podem significar oprimido, rebaixado, espezinhado. Mas para Kerouac, tinha uma conotação espiritual. Outros adjetivos discutidos por Holmes e Kerouac foram "found" (encontrado, achado) e "furtive" (furtivo). Kerouac alegou que ele tinha identificado (e incorporado) uma nova tendência análoga à influente Geração Perdida.
Em "Aftermath: The Philosophy of the Beat Generation" Kerouac criticou o que ele acreditava ser a distorção das suas idéias:
«A Beat Generation, que foi uma visão que nós, John Clellon Holmes e eu, e Allen Ginsbergtivemos, numa maneira ainda mais selvagem, no final dos anos 40, de uma geração de loucos, iluminados hipsters, fez subitamente a América ascender e avançar, seriamente a vadiar e a pedir boleia em todo o lado, esfarrapada, beatificada, bonita de uma nova forma graciosamente feia — uma visão colhida da forma como ouvimos a palavra "beat" pronunciada nas esquinas da rua em Times Square e na Village, na noite dos centros de outras cidades da América pós-guerra — beat, que significa em baixo e de fora mas cheio de uma convicção intensa. Nós até ouvimos o velho 1910 Daddy Hipsters das ruas falar na palavra dessa forma, com um sorriso de escárnio melancólico. Nunca quis dizer delinquentes juvenis, significa características de uma espiritualidade especial que não agia em conjunto mas eram Bartlebiessolitários olhando para fora da janela da parede nua da nossa civilização..."
Kerouac explicou o que ele queria dizer com "beat" no Forum de Brandeis, "Is There A Beat Generation?" , a 8 de November de 1958, no New York's Hunter College Playhouse. Os oradores para o seminário eram Kerouac, James A. Wechsler, o antropologistade Princeton, Ashley Montagu, e o autor Kingsley Amis. Wechsler, Montague e Amis, todos usavam fato, enquanto Kerouac tinha vestido uns jeans pretos, botas pelo tornozelo e uma camisola ao xadrez. A ler um texto preparado, Kerouac reflectiu sobre os seus primórdios Beat:
É por causa de ser um Beat, que eu acredito que está na beatitude e que Deus amou tanto o mundo que teve que dar-lhe o seu único filho... Quem sabe na verdade, se o Universo não é um vasto mar de compaixão, o verdadeiro mel sagrado, debaixo desta mostra de personalidade e crueldade.
O discurso de Kerouac foi mais tarde publicado como "The Origins of the Beat Generation" (Playboy, Junho de 1959). No artigo, Kerouac realçou a forma como a sua filosofia beatificada original tinha sido ignorada como quando Caen e outros tinham intervindo para alterar o conceito de Kerouac com piadas e jargões:
Numa tarde fui à igreja da minha infância e tive a visão do que "Beat" realmente queria dizer...a visão da palavra Beat como tendo o significado de beatificado... As pessoas começaram a chamar-se a elas mesmas beatniks, beats, jazzniks, bopniks, bugniks e finalmente eu fui apelidado de "avatar" de tudo isto.
Estereótipos
Nas suas memórias, Minor Characters, Joyce Johnsondescreveu como o estereótipo beat foi absorvido pela cultura americana:
A "Geração Beat" vendeu livros, vendeu suéters de gola rolê e bongos, boinas e óculos escuros, vendeu um modo de vida que parecia diversão perigosa — assim, para ser condenado ou imitado. Casais suburbanos podiam ter festas beatnik nos Sábados à noite e beber demais e acariciar as mulheres uns dos outros.
Ann Chartersobservou a forma como "beat" foi apropriado para se tornar uma ferramenta de marketing:
O termo foi retirado porque podia significar qualquer coisa. Podia até ter sido explorado no afluente despertar da extraordinária década dos inventos tecnológicos. Quase imediatamente, por exemplo, anúncios de empresas discográficas hippies em Nova Iorque usaram a ideia da Beat Generation para vender os seus novos discos de vinil long-play.
Quando fez o prefácio de The Beat Vortex, Thornton Lee Streiff encontrou uma imagem falsa resultante de uma amálgama de estereótipos recentes:
Geralmente, os repórteres não são bem entendidos em movimentos artísticos, ou na história da literatura ou na arte. E é mais que certo que os seus leitores, ou espectadores, sejam de uma habilidade intelectual limitada e têm de ter as coisas explicadas de uma maneira simples, em todo o caso. Deste modo, os repórteres na media tentam relatar algo que seja novo para o sistema já pré-existente e imagens que sejam apenas vagamente adequadas nos seus esforços para explicar e simplificar. Com uma variedade de fórmulas demasiado simplificadas e convencionais ao seu dispor, eles caíram de volta na aproximação estereotipada mais próxima do que é o fenómeno semelhante, como eles o viam. E ainda pior, eles não o viam claramente e completamente. Eles tinham uma citação aqui e uma fotografia ali — e era o trabalho deles embrulhá-lo pacote compreensível — e se parecia violar a doutrina predominante, mandatária e conformista, eles eram obrigados além disso a dar-lhe também uma volta negativa. E nisto, eles eram ajudados e cúmplices pelo Estabelecimento Poético do dia. Deste modo, o que saiu na ‘‘media’’: dos jornais, revistas, TV, e dos filmes era um produto dos estereótipos dos anos 30 e 40 — embora confusos — da mistura entre um artista boémio de Greenwich Village dos anos 20 e um musico de Bop, cuja imagem visual foi concluída através da mistura em pinturas Daliescas, uma boina, uma barba à Van Dyke, uma suéter de gola rolê, um par de sandálias, e um par de bongos. Alguns elementos autênticos eram acrescentados a uma imagem colectiva: poetas a lerem os seus poemas, por exemplo, mas até isto era feito de forma intangível fazendo os poetas falar numa espécie de falso idioma Bop. A consequência é, que mesmo embora nós saibamos agora que estas imagens não reflectem exactamente a realidade do movimento Beat, nós continuamos a olhar subconscientemente para isso quando olhamos para trás, para os anos 50. Nós nem sequer ainda escapámos completamente à imagem visual que tem sido tão insistentemente sobrecarregada sobre nós de uma forma forçada.
Etimologia
A palavra "beatnik" foi inscrita por Herb Caennum artigo no San Francisco Chronicle a 2 de Abrilde 1958.[10] Caen cunhou o termo juntando-lhe o sufixo russo-nik depois de Sputnik I, para a Geração Beat. A coluna de Caen com a palavra seis meses depois do Sputnik. Pode ter sido a intenção de Caen caracterizar os membros da Geração Beat como não-americanos. Opondo-se à distorção do termo por parte de Caen, Allen Ginsberg escreveu para o New York Times a lamentar "a obscena palavra beatnik," comentando, "Se os beatniks e poetas Beat não iluminados infestarem este país, eles não terão sido criados por Kerouac mas pela indústria da comunicação em massa que continua fazer lavagens cerebrais ao homem."
Cultura Beat
Neste período, a palavra "beat" indicou a cultura, a atitude e a literatura, enquanto o uso comum da palavra "beatnik" era o de um estereótipo encontrado em desenhos animados ligeiros e personagens da ‘‘media’’ distorcidos, e por vezes violentos. Esta distinção foi clarificada pelo professor da Universidade de Boston, Ray Carney, uma autoridade na cultura beat, no "The Beat Movement in Film", as suas notas para uma exibição e projecção em 1995 do Museu Whitney:
A maioria da cultura Beat representou uma postura negativa em vez de uma positiva. Foi mais animada pelo vago sentimento de deslocamento cultural e emocional, insatisfação, e anseio, do que por uma finalidade especifica ou programa. Teria sido muito mais fácil só nós só estivéssemos à procura de filmes com "beatniks". O colunista de San Francisco Herb Caencunhou a palavra (que através de trocadilhos sarcásticos sobre o russo Sputnik que foi recentemente lançado, tinha como intenção lançar a dúvida sobre o sangue vermelho-branco-e-azul e todo americano, dos beatniks). E a ‘‘media’’ de massas popularizou o conceito. Dobie Gillis, da revista Life, Charles Kuralt, e um montão de outros entertainers e jornalistas reduziram o conceito Beat a um conjunto de acessórios supérfluos e tolos, que se mantiveram connosco desde então: pêras, óculos de sol, leituras de poesia, bares, preguiçosos, e jargões do "cool, man, cool". O único problema é que nunca existiram beatniks neste sentido (excepto, talvez, para o imitadores da influencia da media, os quais mais tarde vieram em conjunto na historia do movimento). A cultura Beat foi um estado de espírito, não a importância com que tu e vestes ou dizes ou onde moras. De facto, a cultura Beat esteve longe de ser monolítica. Foi muito diferente, conflituante, deslocando estados de espírito. Os filmes e os vídeos que foram eleitos para a lista de projecção são uma tentativa para ir além dos clichés e slogans culturais, para olhar em perspectiva os costumes do Central Casting e gozar com a media de massas equiparada com o conceito Beat, a fim fazer justiça ao seu espírito.
Desde 1958, os termos Geração Beat e beat têm sido usados para descrever o movimento literário anti-materialista que começou com Kerouac em 1948, que se alongou pelos anos 60. A filosofia Beat anti-materialista e de introspecção influenciou músicos da década de 60, tais como Bob Dylan, Pink Floyde The Beatles.
No momento em que os termos foram adoptados, houve uma tendência entre jovens estudantes das universidades para adoptar o estereotipo, com os homens a usarem pêras e boinas, revirando os seus próprios cigarros e a tocar bongos. A moda feminina incluía léotardspretos e usar cabelo comprido, liso e sem adornos em rebelião contra a cultura da classe média dos salões de beleza. O uso da marijuanaestava associado à subcultura, e durante os anos 50, o livro de Aldous Huxley, The Doors of Perception promoveu visões influenciadas em drogas.
Em 1960, uma pequena comunidade 'beatnik' em Newquay, Cornwall, Inglaterra (incluindo o jovem Wizz Jones) atraiu a atenção e a aversão dos seus vizinhos, porque deixou crescer o cabelo até um comprimento que era anormalmente longo (passava os ombros), pelo qual foram entrevistados pelo repórter da BBC, Alan Whicker, para a televisão.
A filosofia beat era geralmente contra-cultural, anti-materialista e sublinhou a importância de uma melhoria do ser interior de cada um, acima das posses materiais. Alguns escritores beat começaram a procurar em religiões orientais como o Budismoou Taoísmo. A politica tinha tendência para ser liberal; com o apoio para causas como a dessegregação (embora muitas figuras associadas ao movimento Beat original, particularmente William Burroughs, abraçaram ideias libertárias/conservadoras). Uma abertura à cultura e arte afro-americanaera aparente na literature e na musica, principalmente no jazz. Enquanto Caen e outros escritores implicaram uma associação comunismo, não havia uma ligação obvia ou directa entre a filosofia beat(como foi exprimida pelos principais autores do movimento literário) e a filosofia do movimento comunista, a não ser a antipatia que ambas as filosofias partilharam face ao capitalismo.
Beatniks na literatura e nos filmes
Into the Wild, publicado em 1996 e escrito por Jon Krakauer, é um livro que conta a história de Alexander Supertramp, pseudônimo de Christopher McCandless, que ao se formar na Universidade de Atlantadoou os seus 24 mil dólares que tinha no saldo bancário a instituições de caridade e desapareceu sem avisar a família. Em 2007, foi produzido o filme homônimo dirigido por Sean Penn, tanto filme quanto livro descrevem a sua viagem que tinha como objetivo chegar ao Alascae viver sozinho, dependendo da natureza e do que encontrava no caminho.
O papel do personagem Maynard G. Krebs, desempenhado na TV por Bob Denverem The Many Loves of Dobie Gillis (1959-63), solidificou o estereotipo beatnik, em contraste com a imagem rebelde e ligada ao movimento beat, apresentada por populares actores de cinema do principio e meio da década de 50, nomeadamente Marlon Brandoe James Dean.
A subcultura emergiu na Broadway na forma de comédia musical. The Nervous Set (1959) através do editor de Neurotica, Jay Landesman e Theodore J. Flicker, com musica de Tommy Wolf e letra de Fran Landesman; esta era a fonte de dois padrões do jazz, "Spring Can Really Hang You Up the Most" e "The Ballad of the Sad Young Men" (gravados por Gil Evans, Anita O'Day, Roberta Flack, Petula Clark, Rod McKuen, Shirley Basseye outros). O espectáculo abriu com a canção, "Man, We're Beat".
Stanley Donentrouxe o tema para o género do filme musical em Funny Face (1957) com um desempenho de Audrey Hepburnrenovado num anuncio da Gapem 2006. Noutra manipulação da Madison Avenue, uma das fotografias de Kerouac da autoria de Jerry Yulsmanfoi alterada para ser usada num cartaz publicitário da Gap, retirando Joyce Johnson da imagem.
The Beat Generation(1959) fez uma associação do movimento com o crime e a violência, como fez The Beatniks (1960). A noção de violência e outra criminalidade possivelmente surgiu porque foras-da-lei violentos e criminosos eram popularmente retratados a usar a mesma linguagem de calão nos seus discursos, e esta distorção também pode ser vista em populares programas de TV, no que diz respeito a hippies, uns anos mais tarde.
Entre os livros de humor, Beat, Beat, Beat foi uma brochura de 1959, da autoria de Signet, que continha cartoons do graduado em Phi Beta Kappa Princeton, William F. Brown, que olhou o movimento desde a sua posição no departamento de TV da agência de publicidade Batten, Barton, Durstine & Osborn.[13] Suzuki Beane (1961), de Sandra Scoppettonecom ilustrações de Louise Fitzhugh, foi uma mistificação beat de Bleecker Street, da série Eloise de Kay Thompson(1956-59).
O filme de 1961 de Tony Hancock, The Rebel, é sobre um funcionário de um escritório em Londres, que se muda para Paris, porque aspirava ser um artista da Geração Beat; o filme satiriza pseudo-intelectuais.
O personagem Cool Cat, dos desenhos animados Looney Tunes, é frequentemente caracterizado como um beatnik, tal como o galo na curta de Foghorn Leghorn, Banty Raid, em 1963. Na televisão, no desenho animado Scooby-Doo, o personagem Shaggy é um retrato de um beatnik. De forma semelhante, a serie de desenhos animados, Beany and Cecil, também tinha uma personagem beatnik, Go Man Van Gogh (aka "The Wildman"), que vive regularmente na selva e pinta varias imagens e fundos para enganar os seus inimigos. Teve a sua primeira aparição no episódio "The Wildman of Wildsville". Na serie animada The Simpsons, os pais do personagem Ned Flanderssão beatniks que o colocaram num hospital psiquiátrico enquanto criança, depois de terem tido dificuldade em discipliná-lo, devido ao seu mau comportamento (A mãe dele queixa-se: "Já tentámos tudo, e estamos sem ideias!"). Além disso, na serie de televisão animada, Doug, a irmã mais velha de Doug, Judy Funnie, é retratada com uma beatnik.
Ed "Big Daddy" Rothusou fibra de vidro para montar o seu Beatnik Bandit em 1960. Hoje em dia, este carro está no Museu Nacional Automóvel em Reno, Nevada.

CÁLCULOS

A ONU deveria, antes de qualquer apressada decisão, consultar "O Homem que Calculava", de Malba Tahan. Pois, a questão aritmética é deveras importante nesses conflitos. Senão, vejamos.
Cuba, Coréia do Norte e Albânia não têm assento no Conse...lho de Segurança das ditas "Nações Unidas", como outros tantos dos 192 Estados-membros. No entanto, são 3 países considerados "personae non gratae" na própria ONU.
O escrutínio deveria contar, então, em nome da efetiva democracia, também com os votos da 'Organização das Nações e Povos Não Representados', a UNPO, com 56 membros.
Ou Democracia é o governo da maioria, mas com o voto da minoria?!

PARADA

Até o surgimento da reflexão no 'espírito' humano; até o aparecimento da consciência criadora no 'mente' do homem; tem-se a impressão de que a evolução da vida tinha sua trajetória iniciada no exterior de cada um e de todos nós, dirigida ao objetivo determinado de aumentar a concentração dessa mesma consciência, ainda desprovida da maturidade na repercussão do pensamento.
Nesse estágio, infere-se a idéia da sucessão de tentativas e abandonos, em alternância contínua.
Paramos aí!?

POLÍTICA MARQUETEIRA

A propaganda assumiu função antes pertencente ao setor público. Hoje, notícia e anúncio não mais se diferenciam, forjando uma unanimidade estruturada na dinâmica do consenso. Este, agora, é a boa vontade estimulada pela publicidade; e os cidadãos tornaram-se consumidores do Poder Público, diante da artificialização da esfera pública.
Frente ao marketing político, nota-se a falsidade das discussões , tendentes apenas a reforçar as "opiniões". Em vez de 'esclarecimentos' os partidos políticos querem persuadir, convencer, retomando o objetivo da ideologia, embora apoliticamente formatada para caracterizar-se como venda política.
A ausência da publicidade crítica impede a opinião pública de ser real expressão de concreto fato público.

AMBIENTALISMO E ANARQUIA

Dois fenômenos culturais surgidos na década de 60 causaram tamanho impacto queainda hoje podem ser percebidos. Entre os jovens de boa parte das famílias ocidentais se alastrava uma postura rebelde, de recusa dos principais valores da sociedade burocrática e de consumo, enquanto uma nova geração de inquietos artistas plásticos propunha radicais questões para a arte e expandia seus limites. Os dois fenômenos apresentam experiências e influências em comum, sendo que um intercâmbio de aprendizados certamente ocorreu, apesar de terem se constituído como situações de considerável autonomia.
Contracultura é uma designação ampla, geralmente associada aos hippies, que traduz a rebeldia dos jovens dos anos 60 contra os principais valores que o sistema cobra de seus cidadãos. A revolta foi principalmente contra a tecnocracia do mundo em que ainda vivemos, um mundo em que a eficácia produtiva e lucrativa é maquinalmente exigida dos trabalhadores, impossibilitados dessa maneira de um modo de vida realmente criativo. Apesar de o tempo todo recerbemos imagens e estereótipos bem limitados do que foi essa contestação, tratava-se de uma juventude bastante heterogêna, inclusive desorganizada, contraditória, sem um rigor ideológico que centralizasse as ações, que, contudo, lutou contra o autoritarismo, o moralismo, a hipocrisia, a burocracia, o racismo, o machismo, o consumismo e o militarismo.
Não se pode perder de vista o caráter de conflito de gerações nesse episódio da história, pois não houve especial afinidade desses jovens com a esquerda tradicional, apesar do inimigo em comum. Hippies e marxistas tradicionais não viam o capitalismo explorador sob o mesmo ponto de vista, sendo que os primeiros discordavam quanto a trocar um industrialismo capitalista por outro socialista, e rejeitavam esse tipo de militância da mesma forma como evitavam tudo o que se remetesse a gerações anteriores. Muitas vezes com uma dose de ingenuidade, válida como tentativa, se arriscaram a fazer tudo como se fosse um exato oposto ao que seus pais fariam.
O movimento hippie tem sua origem a partir dos beatniks, representados por escritores como Jack Kerouac, Allen Ginsberg, William Burroughs. Estes, influenciados por Ezra Pound, mesclaram ensinamentos zen com rebeldia, e viveram à margem do sistema, apesar de não o terem confrontado diretamente. Seu ideal era o de viajar pelo mundo adquirindo toda forma de experiência que caracterizasse seu estilo de vida, principalmente aventuras sexuais, noites de bebedeiras com amigos e poetas, experimentos com drogas e aprendizados budistas. São comportamentos que foram legados alguns anos depois aos associados com Woodstock.
Fato relevante é que os primeiros a transpor a liberdade beatnik para um esforço de transformação da sociedade foram os chamados Provos, de Amsterdam, que podem ser considerados os fundadores da contracultura. Em vez do famoso “drop out” beat, insistiram em permanecer em sua cidade e de fato conseguiram transformá-la. A palavra “provos” deriva de “provocadores”, batizados assim por um relatório policial e aceito espontaneamente pelos referidos. Tratava-se de um pequeno grupo, por volta de duzentas pessoas em seu auge, atuando de forma intensa e subversiva, entre julho de 1965 e maio de 1967. Inspirados no dadaísmo e em outras tendências artísticas, porém sem nunca se definir como movimento de arte, os provos se valiam de happenings para defender a legalização das drogas, a liberdade sexual, a liberdade de expressão, questões ecológicas e o boicote ao consumismo.
Em 1965, criaram seu manifesto, expressando suas máximas. Por exemplo:
provo é uma folha mensal para anarquistas, provos, beatniks, noctâmbulos, amoladores, malandros, simples simoníacos estilitas, magos, pacifistas, comedores de batatinhas fritas, charlatões, filósofos, portadores de germes, moços das estribarias reais, exibicionistas, vegetarianos, sindicalistas, papais-noéis, professores da maternal, agitadores, piromaníacos, assistentes do assistente, gente que se coça e sifilíticos, polícia secreta e toda a ralé deste tipo; provo é alguma coisa contra o capitalismo, o comunismo, o fascismo, a burocracia, o militarismo, o profissionalismo, o dogmatismo e o autoritarismo; provo deve escolher entre uma resistência desesperada e uma extinção submissa; provo incita à resistência onde quer que seja possível; provo considera a anarquia como uma fonte de inspiração para a resistência; provo quer devolver vida à anarquia e ensiná-la aos jovens.
Em nenhum momento o grupo se apresentou como um movimento artístico, no entanto é evidente que eles tinham conhecimento da performance como meio, e a utilizaram de maneira lúdica a fim de chamar a atenção para seus objetivos.
Os provos tinham seu jornal, onde discutiam questões raciais, feminismo, liberação sexual e legalização das drogas. Seguidores dos provos caminhavam em bando sobre automóveis e sabotavam escapamentos, por considerarem os carros poluentes e assasssinos. Lançaram bombas de gás de efeito moral sobre a carruagem real, humilhando o casal de princípes no dia de seu casamento (devido às ligações do princípe com o nazismo na Segunda Guerra). Elegeram um vereador e zombaram do poder, pois De Vris, o eleito, assumiu arrotando, descalço, em seu primeiro discurso (eles mal sabiam o que fazer com o cargo, queriam apenas esvaziá-lo de sentido). Planejaram comunidades nômades antes que os hippies se reunissem em seus acampamentos.
Por fim, em 1967 os provos conquistam alguns de seus principais objetivos. A própria Coroa holandesa, depois de perceber que a repressão policial não surtia efeito, sentiu-se obrigada a rever sua intolerância. É devido à atuação desses jovens que hoje Amsterdam conta com zonas onde o consumo de drogas é legalizado. Também pode-se contar como vitória dos provos uma maior tolerância com as questões racias e feministas em sua cidade e, por boa parte da sociedade holandesa, a aceitação da liberação sexual, além do fim da apreensão de jornais de mídia underground, ou seja, liberdade de expressão.
Em 13 de maio de 1967, Provos dissolveu-se, em festa, por estarem, segundo proclamaram, cansados de bancar a entidade oficial de provocação, e para não se tornarem previsíveis, ainda que muitos de seus membros continuassem a atuar em transformações da sociedade, porém de outras maneiras. Um dos destinos mais comuns de ex-provos foi ingressar em lutas por causas ambientais. A ponto de o Greenpeace, notória expressão do Ambientalismo, ter sido fundado por alguns dos ex-integrantes desse viés do Anarquismo.

MITIGANDO

Por mais determinado que possa ser o homem no socialismo; o quanto mais se imagine uma sociedade proletária emancipada; nada disso subtrai a necessidade de se admitir que tais condições são apenas 'mecânicas', ou seja, nenhuma verdadeira "alma" (psique) as anima.
Verdade é, estes fundamentos apresentam-se, não raramente, viciados na própria base, pelo deslize do orgulho. Menos que sentimento, o orgulho é 'emoção'. E não se alcança o superior patamar do Socialismo sob os efeitos desta que é uma inferioridade humana.

Desemprego no Brasil é menor entre os que não concluíram 2º grau

Dado vai na contramão da tendência verificada nos países ricos, onde o maior nível de formação educacional garante maiores chancesA taxa de desemprego entre as pessoas que concluíram o segundo grau no Brasil é maior do que entre aquelas que não terminaram essa etapa na sua formação, diz um estudo da Organização para a Cooperação e Desenvolvimento (OCDE), divulgado nesta terça-feira.O dado, que vai na contramão da tendência verificada nos países ricos, onde o maior nível de formação educacional garante maiores chances de encontrar um trabalho, está no relatório "Olhares sobre a Educação 2010", que analisa a situação do ensino em 38 países - os 31 países membros e alguns países tidos como parceiros da organização para a realização de estudos sobre educação. O índice de desemprego entre os que não concluíram o segundo grau no Brasil é de 4,7% da população ativa, enquanto a taxa dos que terminaram o curso é de 6,1%, diz o economista Etienne Albiser, da divisão de indicadores e análises sobre educação da OCDE. Segundo ele, uma das razões desse paradoxo no Brasil seria a alta taxa de desemprego entre mulheres que concluíram o segundo grau. Essa taxa é de 8,5%, bem superior ao mesmo índice de mulheres nos países da OCDE, que é em média de 5%. "Outro fator é a estrutura da economia brasileira, que teria mais necessidade de uma mão-de-obra menos qualificada, embora não existam estatísticas a respeito", disse o economista à BBC Brasil.
Sem diploma

Segundo a OCDE, pelo menos dois terços das pessoas entre 25 e 64 anos no Brasil não têm diploma de estudo secundário. O Chile, a Grécia, o Luxemburgo e o México, que são membros da organização, registram situação semelhante à do Brasil. Nesses países, a taxa de desemprego entre as pessoas que não concluíram o segundo grau também é menor do que a registrada pelas que obtiveram esse diploma. "Nos países da OCDE, o diploma de conclusão do segundo grau é considerado como a bagagem mínima para ser competitivo no mercado de trabalho. A taxa de desemprego das pessoas com esse diploma é menor, em média, de cerca de 4 pontos percentuais em relação ao que não atingiram esse nível de formação", afirma o estudo. O documento também revela que as despesas do governo brasileiro com alunos do ensino primário e secundário quase dobraram entre 1995 e 2007. Em 2007, último dado disponível, os gastos por aluno dos ciclos primário e secundário no Brasil atingiram US$ 1,8 mil. Nos países da OCDE, a média é de US$ 7,6 mil. "Os gastos do Brasil com o ensino primário e secundário era um dos mais baixos entre os países analisados. Houve o aumento da população, mas também havia a necessidade de recuperar o atraso em relação aos demais países", diz Albiser. Os gastos com educação no Brasil passaram de 3,7% no período 1994-2000 a 5,2% do PIB em 2007. Entre os países analisados no relatório, apenas o Brasil, o Chile, a Dinamarca, os Estados Unidos registraram um aumento dos gastos com educação superior a 0,8 ponto percentual do PIB nesse período. A parte da educação no orçamento brasileiro passou de 11,2% a 16,1% do total entre 1995 e 2007, afirma o estudo.

PLURAL

Incrédulos na democracia -quer a da Grécia Antiga quer a da burguesia proeminente do século IX- essa descrença causou em Platão verdadeiro fascínio pelo mito da destruição e reconstrução do mundo; e, analogamente, assomou Marx, com o ideal da crise final do capitalismo e o surgimento do socialismo. Hoje, inacreditável, ainda se defende a simplicidade de um incerto governo da 'maioria', tudo como se Política jamais tivesse sido Ciência e Materialismo Histórico não fosse uma dialética em meio à pluralidade essencial da Hermenêutica.

ALFABETIZANDO DEUS

Pelo simples fato de saber escrever (qualquer coisa, de A a Z), você é um porta-voz da Verdade, missionário do Verbo, muito longe de ser ateu, e bem próximo do Divino.
E não? Vejamos.
A palavra 'alfabeto' procede do grego 'alfa + beta'. O termo 'ab' (ou 'ib') também foi usado pelos hebreus, denominando a máxima divindade, ou seja, Deus. Conforme, pois, essa etimologia, 'ab' são as duas primeiras letras do alfabeto (hebraico e grego). 'A' = 'aleph' (e 'alpha'). No hebraico, 'pai'. E 'B' = 'bet' (e beta). No hebraico, 'útero' . A união destas letras compõe, então, a própria palavra 'alfabeto', significando 'a Palavra', 'a Verdade', ou o 'Verbo'. O próprio Deus, enfim. 'Pai' e 'mãe', na concepção hebraica.

LIBERTAS

COORDENAÇÃO E TRABALHO, ESTA A BÚSSOLA DO ANARQUISTA EM SUA ODISSÉIA LIBERTÁRIA.
O símbolo do Anarquismo é um monograma que consiste da letra "A"cercada pela letra "O". A letra "A" deriva da primeira letra da palavra "anarquia", ou "anarquismo" na maioria das línguas européias, e é a mesma tanto no alfabeto latino quanto no alfabeto cirílico. O "O" simboliza ordem. Juntos eles significam "Anarquia é Ordem", a primeira parte de uma das mais famosas citações de Proudhon.
O conceito do logos admite interpretação do "A" que extravasa um "Círculo" (o Universo). Do centro dessa mandala, caminham alguns indivíduos, à esquerda ou à direita; outros, se fixam no eixo. Contudo, há quem, recusando qualquer confinamento imposto pelo poder institucional delimitado na circunferência, segue adiante, ultrapassando-a. Nem à margem nem excluído, não quer a inclusão (subserviência, apenas) autorizada (pela autoridade autodenominada 'governo').
Coordenação e trabalho, esta a bússola do anarquista em sua odisséia libertária.

CULTUANDO

CULTURA DO CONSENSO OU CULTO AO ACORDO?
Acordos de conciliação e mediação serão padronizados e permanentes em todo o país.
O Conselho Nacional de Justiça (CNJ) editará resolução que vai padronizar a prática da conciliação em todos os tribunais do Brasil. As mudanças incluem a implantação de serviços permanentes de mediação e conciliação nas primeira e segunda instâncias.
O CNJ editou, em 2007, a recomendação Nº 8 que solicita aos tribunais de Justiça, Tribunais Regionais Federais e Tribunais Regionais do Trabalho a realização de estudos e de ações tendentes a dar continuidade ao MOVIMENTO PELA CONCILIAÇÃO. A ideia é "ampliar o acesso à Justiça" por meio da conciliação, através da solução de conflitos de forma instrumental, e não de maneira alternativa.
Conforme o órgão, A CONCILIAÇÃO É UMA POLÍTICA PÚBLICA DO CNJ na área da estruturação de serviços. Ela propicia a possibilidade de solução consensual das demandas, realizando no final a pacificação das partes.
Mas, a "pacificação", o "consenso" podem ser instrumentalizados sem risco de o Judiciário exorbitar de sua função?
O quê de fato pretende o CNJ? Institucionalizar uma 'CULTURA DO CONSENSO' ou um 'CULTO AO ACORDO' ?

DIREITO DE QUEM?

NO 'ESTADO DEMOCRÁTICO DE DIREITO', DE QUEM É O DIREITO ?!
Criado para promover o controle externo do Judiciário, o Conselho Nacional de Justiça, distanciando-se de sua função, passou a legislar sobre matérias que fogem à sua competência. Agora, está impondo normas que se sobrepõem à própria Lei Orgânica da Magistratura... Nacional. Com a justificativa de regulamentar as férias dos juízes, o órgão os autorizou a "vender" 20 dias, permitindo à corporação embolsar uma quantia considerável a mais por ano. A decisão do CNJ consagra um privilégio, abrindo perigoso precedente, pois as demais categorias do funcionalismo podem - em nome da isonomia - exigir o mesmo, além da regalia de 2 meses de férias por ano, já concedida a juízes e promotores. Essa "venda" representa um aumento disfarçado de vencimentos. A Constituição Federal proíbe os órgãos do Judiciário (o CNJ, inclusive) de legislar sobre matérias de caráter administrativo. Nesse sentido, recente Súmula do STF afirma que questões funcionais da magistratura só podem ser disciplinadas por lei ordinária aprovada pelo Legislativo, e não por decisão administrativa.
Ora, o conceito de Estado Democrático de Direito Social deve ser entendido como uma estrutura jurídica e política, e como uma organização social e popular, em que os direitos sociais e trabalhistas seriam tratados como direitos fundamentais. Percebe-se, sobram castas e falta povo no Estado brasileiro.

ETHOS

Considerada a acepção sociológica de "ethos", qual seja, uma espécie de 'síntese dos costumes de um POVO'; considerado -em sua origem grega- o significado de "ethos" enquanto "valores, hábitos e HARMONIA"; compreendida, então, a 'ética' no "conjunto de hábitos e ações dirigidos ao bem comum de determinada comunidade" ; e, mais especificamente (para os gregos antigos), A MORADA DO HOMEM, isto é, a NATUREZA;
finalmente, ante o conceito de 'POVO' (no Direito Constitucional), considerado como "o conjunto dos CIDADÃOS de um país, isto é, as pessoas que estão VINCULADAS a um determinado regime jurídico, a um estado"; por que não se concluir que é da "NATUREZA" do nosso POVO os "CIDADÃOS" -VINCULADOS pela hipossuficiência ética-, HABITAREM em HARMONIA igual MORADA?

"DADÁ"

DADAÍSMO: O MOVIMENTO QUE ABALOU A ESTRUTURA DA ARTE EUROPÉIA E MUNDIAL
O dadaísmo foi um movimento artístico e estético que se originou no ano de 1916 na cidade de Zurique, situada na Suíça, país europeu.
A principal característica do dadaísmo é a ruptura com o tradicional, é a subversão da maneira tradicional de fazer arte. Como não podia deixar de ser, o dadaísmo possuía uma forte tendência à anarquia, uma mensagem claramente libertária.
SEM SENTIDO
A origem do nome dada vem de um termo infantil utilizado na língua inglesa para designar brinquedos: “dadá” significa algo como brinquedo, cavalo de pau (brinquedo infantil). Esse nome representa muito bem a desconstrução proposta pelo movimento, a aparente falta de sentido nas obras de arte dos artistas dadaístas.
Características principais do dadaísmo
Um dos objetivos do dadaísmo era conseguir fazer com que as pessoas refletissem sobre o cotidiano, olhassem as coisas de sempre com novos olhos. Por isso, objetos comumente utilizados no dia a dia são apresentados novamente ao expectador, mas sob uma nova perspectiva, mas sempre fazendo parte de um contexto artístico.
A irreverência na arte era a forma de combater as velhas escolas artísticas européias, engessadas e pouco inovadoras.Devido à sua mensagem anarquista, o dadaísmo combatia o capitalismo e todo o consumismo da sociedade na época. Aliado a uma visão pessimista e irônica da política mundial, o dadaísmo criticava o sistema vigente.Outra característica do dadaísmo é a extrapolação dos materiais convencionais: tela e pincel não são mais suficientes, e novos objetos começaram a fazer parte da arte: fotografias, recortes de jornais, músicas, sons e objetos diversos ajudam a compor as obras absurdas e ilógicas propostas como representação da sociedade segundo o dadaísmo.
História do dadaísmo
O dadaísmo surgiu em 1916 em Zurique, durante as reuniões de artistas plásticos e escritores no Cabaret Voltaire.
Os nomes de maior influência na fundação do movimento são Tristan Tzara, Hans Arp e Hugo Ball.
Em pouco tempo o dadaísmo estava presente em outros centros culturais ao redor do mundo, influenciando a arte da época.
Nos anos que se seguiram, o dadaísmo foi uma importante forma de mostrar o absurdo do “racionalismo da guerra” – como forma de protesto, os artistas investiam com uma arte irracional e absurda, mas claramente mais estruturada do que uma sociedade que sustenta conflitos armados.
Influência
A principal forma de arte dadá foi a construção de poemas aleatórios (com palavras e imagens recortados de jornais e revistas e depois colados aleatoriamente em um folha de papel) e o ready made (expressão criada por Marcel Duchamp e que designa objetos manufaturados consumidos popularmente. Duchamp tratava esses objetos como forma de arte).O principal legado do dadaísmo talvez tenha sido mostrar que a arte não precisa ter regras e nem ser concebida depois de intensa reflexão: ela pode ser resultado de um processo inconsciente.

CASTAS E POVO

ACEPÇÕES

Da mesma maneira como não se pode confundir 'velharia' (na conotação de 'antiquado') com 'antiguidade' (no sentido de 'precioso'), não há porque entender 'tradicional' (o patrimônio cultural imaterial de um povo) como sinônimo de 'conservador' (o favorável à manutenção de uma determinada situação; que se opõe a mudanças radicais). E, muito menos, 'radical' (referente à base, ao fundamento, à origem) com 'intolerante', que também não significa 'intransigente'. A generalização de acepções é, não raro, instrumento de manipulação ideológica.

FOLIA DE REIS

Reisado

O galo cantou no Oriente Ai, ai, ai, ai
Surgiu a estrela da guia ai, ai
Anunciando à humanidade Ai, ai, ai, ai
Que o Menino-Deus nascia ai, ai, ai, ai
Em uma estrebaria ai, ai
Vinte e cinco de Dezembro Ai, ai, ai, ai
Não se dorme no colchão ai, ai
Deus-menino fez a cama Ai, ai, ai, ai
De folhas secas no chão ai, ai, ai, ai
Pra nossa salvação ai, ai
Senhora dona da casa Ai, ai, ai, ai
Oia a chuva no telhado ai, ai
Venha ver o Deus Menino Ai, ai, ai, ai
Como está todo molhado ai, ai, ai, ai
Com os três reis a seu lado, ai, ai
Deus lhe pague a bela oferta Ai, ai, ai, ai
Que vós deu com alegria, ai, ai
Ao Divino Santo Reis Ai, ai, ai, ai
São José Santa Maria ai, ai, ai, ai
Há de ser vossa guia, ai, ai

AS MARÉS DE EDU LOBO

Edu Lobo, nome presente na música popular brasileira desde os míticos anos 60, é um homem de sorte. Filho do radialista e também compositor Fernando Lobo (Chuvas de Verão, Nega Maluca, Nasci Para Bailar), cresceu em ambiente musical.

O jovem Edu, de família nordestina, nasceu no Rio de Janeiro. Estudou acordeon por alguns anos, mas acabou optando pelo violão, em alta com o início da bossa nova. Bem relacionado, logo estava tocando com gente como Dori Caymmi e Marcos Valle, com quem fez algumas apresentações. Em 1962, com 19 anos, já era parceiro de Vinicius (Só Me Fez Bem).

Logo depois, ao conhecer Ruy Guerra, enveredou pela corrente mais politizada da época, ligada ao teatro e ao CPC da UNE. Fez parcerias com Gianfrancesco Guarnieri, Boal e Vianinha, além do próprio Ruy. Participou do Opinião e musicou Arena Canta Zumbi, de onde saiu seu primeiro sucesso nacional, Upa Neguinho, na voz de Elis Regina.

CUICAR

Osvaldinho, a memória do samba paulista
Samba de bumbo. Samba-lenço. Samba de umbigada. Samba rural. Samba paulista. Samba de Pirapora. Poucas pessoas no mundo sabem diferenciar essas formas de samba com a precisão de Osvaldo Barro. Quem? É só traduzir para Osvaldinho da Cuíca, e tudo se explica. Trata-se do percussionista, cantor, compositor e agitador que acabou virando referência da história do samba de São Paulo.
Jeito pro samba ele tem desde a infância, no bairro do Bom Retiro. Nasceu em pleno Carnaval, no ano de 1940, e passou a adolescência freqüentando as batucadas e cordões que surgiam na região. Em pouco tempo era profissional, tocando com diversos grupos e acompanhando artistas de rádio. Em 1959 tocou na trilha sonora do filme Orfeu Negro, junto com Monsueto. Ou seja, aos 20 anos tinha uma Palma de Ouro e um Oscar no currículo.
Osvaldinho acompanhou o surgimento das principais escolas de samba de São Paulo. Participou dos grupos de cultura popular de Solano Trindade e de Barbosa Lessa. Tocou em festivais, rádios, televisão, programas de auditório, quadras e botequins. Acompanhou meio mundo musical brasileiro. Foi integrante dos Demônios da Garoa de 1967 a 1999. Eleito o primeiro “Cidadão Samba de São Paulo”, em 1974. No ano seguinte gravou seu primeiro disco, pela gravadora Marcus Pereira, como intérprete. Fundou a Ala de Compositores da Vai-Vai, mas também é fundador da Gaviões da Fiel e da Acadêmicos do Tucuruvi.

TOM WAITS: TRILHA-SINA

É muito difícil falar de Tom Waits, um cão abandonado que uiva a dor do mundo, dos amores perdidos e corações partidos, das bebedeiras, da boêmia, da vida e da morte,com uma forma magistral e única em sua voz soturna e sua poesia subversiva, que remete os melhores momentos da Beat Generation de Jack Kerouac ou os escritos bêbados de Charles Bukowski .
Suas musicas / poemas, ganham cores e texturas, não encontradas em nenhum outro cantor ou artista, ele sim pode se dizer um artista único que viaja por musicas extremamente complexas e experimentais assim como por blues rasgados, jazz, rock´n´roll e até pela musica urbana dos bares enfumaçados e das putas nas esquinas, ninguém consegue destilar esse submundo de forma tão tenaz e crua com Mr Waits. Hoje já com 60 anos ainda esbanja vitalidade, no seu ultimo disco Glitter and Doom ao vivo esbanja energia, revisitando várias fases do artista, mas muito além disso, ele já havia lançado um disco triplo em 2006 Orphans: Brawlers, Bawlers & Bastards, onde já havia esse resgate, uma carreira passada a limpo, com algumas composições novas, declamações de várias poesias e muitas músicas antigas com novas roupagens, porém extremamente atuais, como só uma alma versátil como Tom é capaz de fazê-lo.

Blues - Lauper

Enquanto Lady Gaga e Christina Aguilera (apenas para citar algumas) fazem mais do mesmo bebendo na fonte de Madonna e David Bowie, alguns artistas ainda conseguem fazer algo novo. É o caso da cantora Cyndi Lauper, um dos nomes mais importantes dos anos 80 (que também serve de inspiração com seu visual e repertório dançante para as novas BADGIRLS). Cyndi mostra com seu novo trabalho que, um pouco de dedicação e talento são suficientes para fazer um disco ótimo sem muito esforço. Em seu novo álbum, ‘Memphis Blues’, a cantora arrisca algo novo: cantar blues com grandes nomes da cena como B.B. King e Jonny Lang. Sua voz estridente, que sempre cantou o pop dançante com o qual estamos acostumados, se arrisca em clássicos do gênero como ‘Crossroads’ e ‘How Blue Can YouGet?’, mostrando que ainda hoje é possível inovar, basta querer. Uma combinação perfeita, vale a pena ouvir, já que há 25 anos átras não imaginaríamos uma Cyndi Lauper que cantasse Blues, por isso ela é uma artista fantástica!

PARAFRASEANDO

“Nós ficamos às vezes martelando muito mais no castigo a quem matou do que em enaltecer a imagem das pessoas que morreram acreditando numa coisa." (Presidente Lula)

"De martelada, choque elétrico, pau-de-arara etc., etc., os matadores entendiam muito bem, pois acreditavam que suas vítimas eram apenas imagem de uma coisa." (Caos Markus)

"Vamos pegar por exemplo o Gregório Bezerra que foi arrastado pelas ruas de Recife. Ao invés de nós ficarmos querendo saber quem arrastou Gregório Bezerra, nós precisamos valorizar o significado do sacrifício a que ele foi submetido." (Presidente Lula)

"O significado da submissão ao sacrifício é o viés do valor do exemplo de quem se arrasta pelas ruas como Cordeiro." (Caos Markus)

"Poderíamos pegar Marighella que é aqui desta terra. Ao invés da gente ficar querendo condenar eternamente o [seu assassino, delegado Sérgio] Fleury, vamos valorizar as razões pelas quais Marighella fez o que fez." (Presidente Lula)

"Deveríamos pegar nesta terra a eternidade sem razões, que condena valores como Marighella, num revés de todas as vítimas contra o assassino delegado." (Caos Markus)

"E assim a gente iria construindo mais heróis neste País. Iríamos construindo mais gente que pudesse servir de exemplo". (Presidente Lula)

"E nem assim a gente construiria este País. O exemplo de gente servil segue construindo heróis a fim de matar a própria história." (Caos Markus).

DA CONSCIÊNCIA ALHEIA

No ensaio “A percepção do outro e o diálogo”, publicado em A prosa do mundo, de 1969, o filósofo francês Maurice Merleau-Ponty afirmou que “jamais se compreenderá que um outro apareça diante de nós, o que está diante de nós é objeto. Isso porque, segundo a sua teoria, só há lugar para outro em “meu campo”, portanto, é preciso que me desdobre e me descentre para viver a experiência do outro, a qual “é sempre a de uma réplica de mim, de uma réplica minha”. Como réplica, o outro está sempre à margem, já que “é por trás de nós que ele existe, assim como as coisas adquirem sua independência absoluta à margem do nosso campo visual”.É no diálogo, na fala, entretanto, que se renova a mediação entre o mesmo e o outro. Na opinião de Merleau-Ponty, “minha fala coincide lateralmente com a de um outro, ouço-me nele e ele fala em mim, aqui é a mesma coisa to speak to e to be spoken to”. Para o filósofo francês, “não sou apenas ativo quando falo, mas precedo a minha fala no ouvinte; não sou apenas passivo quando escuto, mas falo de acordo com [...] o que o outro diz”.Desse modo, na fala, conclui Merleau-Ponty, “se realiza a impossível concordância das duas totalidades rivais, não que ela nos faça entrar em nós mesmos e reencontrar algum espírito único do qual participaríamos, mas porque ela nos concerne, nos atinge de viés, nos seduz, nos arrebata, nos transforma no outro, e ele em nós” . Talvez, poderia supor, resida aí o medo que temos do canto das sereias, de sua fala que põe fim aos “limites do meu e do não meu, e faz cessar a alternância do que tem sentido para mim e do que é não sentido para mim, de mim como sujeito e do outro como objeto”.Mais temível que a fala é, porém, o silêncio. No conto “O silêncio das sereias”, Kafka afirma, a esse respeito, que as sereias “têm uma arma ainda mais terrível que o canto: o seu silêncio. Apesar de não ter acontecido isso, é imaginável que alguém tenha escapado ao seu canto, mas do seu silêncio certamente não”. De fato, no silêncio não se quer seduzir, deseja-se apenas capturar “o mais longamente possível o brilho do grande par de olhos de Ulisses”, segundo Kafka. Além disso, o silêncio nos condena ao vazio, que só termina com a fala. Conforme Adorno e Horkheimer, “para escapar ao vazio lancinante é necessário uma resistência cuja coluna vertebral é a linguagem”.A fala ou a espontaneidade é, assim, o poder que melhor designa “esse gesto ambíguo que produz o universal com o singular, e o sentido com nossa vida”. Muda, a sereia do conto de Hans Christian Andersen não seduz, captura, se bem que por algum tempo apenas, “o brilho do grande par de olhos” do príncipe e se esvai, “desfazendo-se aos poucos em espuma” do mar.No tocante ao outro que a fala pretende alcançar, tratarei aqui especificamente da criança, pensada enquanto outro do adulto. Poderia até supor que Merleau-Ponty, com a sua tese, tenha lançado um olhar especial sobre a criança, já que, por alguns anos, de 1949 a 1953, ocupou a cátedra de Psicologia Infantil na Sorbonne.Efetivamente, um dos primeiros contatos que temos com a criança (esse outro) se dá pela fala, sendo que, segundo o filósofo e crítico literário russo Mikhail Bakhtin, “as influências extratextuais têm uma importância muito especial nas primeiras fases do desenvolvimento do homem. Estas influências estão revestidas de palavras (ou de outros signos) e estas palavras pertencem a outras pessoas [...]. Depois, estas ‘palavras alheias’ se reelaboram dialogicamente em ‘palavras próprias alheias’ com a ajuda de outras ‘palavras alheias’ (anteriormente ouvidas) e, em seguida, já em palavras próprias (com a perda das aspas, para falar metaforicamente) que já possuem caráter criativo”. Alcançada a consciência criativa, um novo diálogo se inicia (“agora com vozes externas novas”, como afirma Bakhtin). Entretanto, essa “consciência do homem desperta”, de acordo com o filósofo e crítico literário russo, “envolvida na consciência alheia”: “eu me conheço inicialmente através dos outros: deles recebo palavras, formas, tonalidade, para formar uma noção inicial de mim mesmo”.Ocorre, entretanto, que não temos mais tempo para o diálogo (nem com a criança, nem com os outros de modo geral), razão pela qual estamos condenando o outro ao desaparecimento. No ensaio “O continente negro da infância”, o filósofo francês Jean Baudrillard afirma que, “como tantos outros domínios, a infância e a adolescência convertem-se hoje em espaço destinado por seu abandono à deriva marginal e à delinquência”. Isso porque, ainda segundo Baudrillard, “o ritual atual, do imediatismo, da aceleração, do tempo real, vai exatamente de encontro à concepção, à gestação, ao tempo de procriação e de criação, da longa duração à qual corresponde a infância humana. Esse imediatismo, que não reserva tempo ao diálogo, condena, “logicamente, a criança a desaparecer”.Baudrillard faz, entretanto, uma ressalva e pede “calma”, pois, segundo ele, “crianças sempre haverá, mas como objeto de curiosidade ou de perversão sexual, ou de compaixão, ou de manipulação e de experimentação pedagógica [...]”.O fato é que, de acordo com a sua teoria, antes de a criança desaparecer, o que ocorrerá é que ela tenderá a se tornar um Alien, “um monstro saído da ruptura da cadeia simbólica das gerações”, em razão das experimentações genéticas, ou um “produto errático, produto de outra época, flutuando a maior parte do tempo entre pais que não sabem o que fazer dela”.Na literatura, as crianças já estão sendo imaginadas como Aliens, este absolutamente outro de que fala Baudrillard, cuja proximidade é impossível. Em 1997, Tim Burton (conhecido por ter dirigido filmes como Edward mãos de tesoura, A noiva cadáver, Batman e, mais recentemente, Alice no País das Maravilhas) publicou o livro infanto-juvenil O triste fim do Menino Ostra e outras histórias (lançado em 2007 no Brasil pela Editora Girafinha, São Paulo), cuja narrativa orbita em torno de histórias de crianças que não acham o seu lugar no mundo, ou de adultos que não sabem o que fazer com elas, como lemos no conto que dá título ao livro: “Com o doutor a mãe foi se queixar:/ ‘Essa criança não é minha,/ Pois cheira a oceano e alga marinha’./ ‘Minha senhora, isso não é nada!/ Uma menina de bico e três orelhas/ Eu tratei na semana passada./ Por seu filho ser meio ostra,/ Não adianta me culpar./ Quem sabe fosse o caso de comprar/ Uma casinha à beira-mar ...’”.Não é à toa que Francisco, o pobre Menino Ostra, tenha um “triste fim” (ou uma “morte melancólica’, como se lê no original): “[ao pai do menino] O médico fez uma conjectura:/ ‘A fonte não é de todo segura/ Mas seu distúrbio pode ter cura./ Está quase provado: comer ostras/ Propicia um desempenho sexual extra./ Talvez, devorar seu filho/ Ajude a durar por horas e horas’”. O pai leva às últimas consequências o conselho do médico, devorando a própria cria.Mas a fala não só nos aproxima do outro/da criança como também nos introduz à literatura. Se hoje vivemos uma crise da leitura, como afirma o ensaísta argentino Daniel Link − “a crise da leitura, que se costuma dar por certa, mais cedo ou mais tarde afeta a escrita” −, é porque nos faltam narradores. Ademais disso, como devolver a literatura às crianças (aos leitores de modo geral) em um mundo que vive uma espécie de “canibalismo atrativo”, no qual tudo é visto simultaneamente, onde não existe espaço para a experiência, onde, como diz Jean Baudrillard, “não é mais o contágio do espetáculo que altera a realidade, mas o contágio do virtual que apaga o espetáculo”?. Walter Benjamin afirmava, já no início do século passado, que “se a arte de narrar hoje é rara, a difusão da informação é decisivamente responsável por seu declínio”.No entanto, se “a literatura é um ato de fé” (segundo o ensaísta francês Régis Debray), e se “a fé é pelo ouvir” (Câmara Cascudo, citando São Paulo), a literatura oral tem seu lugar assegurado, ao lado da literatura escrita, como “edifício” da cultura e da memória de um povo. Segundo Régis Debray, o livro é o “objeto pesado”, que “comanda uma pesada afetividade. O peso esmagador, casto, quase mortuário, da cultura encarna-se nesses poeirentos poderosos, paralelepípedos abruptos e ameaçadores”, que precedem a leitura. A literatura oral não se materializa, mas, bem ouvida, retorna como memória viva de uma cultura.Quanto à biblioteca, os narradores de histórias anunciam “menos dogma e mais ludismo, menos cânone e mais festejo” (como afirmou Régis Debray ao se referir, em outro contexto, aos livros eletrônicos, esses ainda distantes da maioria dos brasileiros). Os narradores, sem poder de autoridade, contam histórias, suas, mas que ultrapassam as fronteiras da autoria, uma vez que todos podem manipulá-las. É a literatura ao alcance de todos aqueles que as ouvem como “leitores” e as recontam como “autores”.Assim o fez, por exemplo, o escritor e ensaísta argentino, naturalizado canadense, Alberto Manguel, que, em uma antologia de contos de horror organizada por ele, descreve de que forma narrava a seus filhos, quando pequenos, um dos clássicos do gênero, o conto “A mão do macaco”, do escritor inglês William W. Jacobs (1863-1943), uma história não necessariamente “infantil”, porém a figura do narrador era capaz de fazê-la acessível para leitores de qualquer idade. Manguel afirma que sempre contava essa história à noite e que, cada vez que a narrava, introduzia nela uma modificação. Acrescenta que a sua versão era “ainda mais terrível, pois enquanto contava a história, [...] emitia sons assustadores e andava de um lado para o outro, fazendo gestos e caretas aterradores”.Nesse aspecto, a narração nos remete à leitura performática, aquela na qual a “compreensão” é fundamentalmente dialógica, no sentido de que, segundo Paul Zumthor, “meu corpo reage à materialidade do objeto, minha voz se mistura, virtualmente, à sua.Zumthor lembra que toda a literatura é fundamentalmente teatro. No entanto, “habituados como somos, nos estudos literários, a só tratar do escrito, somos levados a retirar, da forma global da obra performatizada, o texto e nos concentrar sobre ele”. Zumthor afirmava o seguinte: “de uma parte, amo os textos; de outra, a ‘literatura’, termo abstrato, tanto faz”.É na arte de narrar, em suma, que a voz ganha papel de destaque, a mesma voz que, de acordo com Giorgio Agamben, expressa uma negatividade (a memória da morte do animal), mas que conserva e recorda o vivente como morto, sendo ela, enquanto linguagem humana, a tumba das nossas recordações e a herança que deixamos.Mas, obviamente, para retomar Merleau-Ponty, “tampouco nas artes da fala a existência física dos sons, o traçado das letras no papel ou mesmo a presença de tais palavras segundo o sentido que lhes dá o dicionário, de tais frases feitas, é suficiente para produzir o sentido: a operação tem seu lado interior e toda a sequência das palavras não é senão seu sulco, não indica senão seus pontos de passagens [...]. Ao entrar num livro, sinto que todos os termos mudaram, sem que eu possa dizer em que.O certo é que não só “o sentido do livro pertence à linguagem”, como todo o sentido da literatura, por isso, “transmitida a obra pela voz ou pela escrita, produzem-se, entre ela e seu público, tantos encontros diferentes quantos diferentes ouvintes e leitores. A única dissimetria entre esses dois modos de comunicação se deve ao fato de que a oralidade permite a recepção coletiva”, afirma Paul Zumthor.Dentre os diferentes leitores ou ouvintes de literatura, não podemos nos esquecer da criança leitora que possui capacidade de interpretação tanto quanto o adulto, embora se utilize de parâmetros diferentes de leitura. Walter Benjamin já afirmava que as crianças não são muito diferentes de nós mesmos. Aliás, lembra Baudrillard, “no que diz respeito ao tempo real, [a criança] está definitivamente adiantada em relação ao adulto, que só pode parecer-lhe retardado, assim como, no terreno dos valores morais, só pode parecer-lhe um fóssil”].Por tudo, concluo estas reflexões reiterando que devemos ouvir as crianças, tanto quanto narrar/falar para elas.

A IMAGEM EM AÇÃO

A fotografia é uma imagem onde o autor está sempre colocado em xeque-mate, por ser uma imagem feita com uma máquina, que dispensa o uso da mão (aqueiropoieta, como o véu de Verônica, sine manu facta, onde o rosto impresso de Jesus surge no linho), devido a específicas características processuais da impressão luminosa em um aparato fotossensível.Não importa o que sente: o antigo sal de prata ou o sensor da câmera digital, algo tem que ser sensível à luz em algum momento. Ademais, o automatismo do processo possibilita images/stories fotográficas sem nenhuma autoria, na maioria das vezes. As câmeras de segurança são meros espelhos com memória, sem falar nas cabines automáticas de fotos de identificação, onde o enquadramento do retrato se dá através de um ajuste do espelho, e a foto é feita automaticamente pela máquina da cabine. (Por favor, onde compro as fichas da cabine de retratos?)Por essas e outras, a fotografia tem sempre um problema com autoria, por isso seus autores, como eu aqui, estão sempre a se justificar. No Tribunal a fotografia continuará sempre suspeita, apesar de colaborar delatando, incrementando as vendas e dopando como entretenimento bilhões de zumbis a cabos
Com o recente acordo ortográfico, a palavra que denomina a prática da representação de si mesmo – “auto-retrato” – passou a ser escrita sem hífen e com r dobrado, tornando-se “autorretrato”, o que fez surgir com destaque um “autor” dentro da palavra.
Em se tratando de pintura, escultura ou outra forma de autorrepresentação, excetuando a fotografia, não seria um fato muito significativo o surgimento da palavra “autor” dentro de “autorretrato”. Mas em fotografia isso se reveste de um significado que faz do autorretrato sua prática autoral mais inquestionável. A mais autêntica autoria em fotografia.
Como estou a brincar com as palavras, curiosamente a palavra que nomeia o processo fotográfico – “fotografia” – não foi adotada logo de inicio pelos pioneiros. Exceção foi Hércules Florence, que também inventou a fotografia no século xix, na antiga vila de São Carlos, hoje Campinas (sp). Mesmo isolado, foi ele – antes dos europeus – que pensou num nome adequado ao processo que estava desenvolvendo, juntando as palavras gregas “photo” (luz) e “graphos” (escrita, desenho). O uso disseminado do nome “fotografia” não se deve a Florence, mas foi escolhido por ele com clarividência, uma vez que é a luz e não a mão que grafa.
Mesmo que Florence e seu processo denominado “fotografia” tenham passado despercebido por mais de um século, foi este nome que, por coincidência, acabou se celebrizando.
Outros nomes curiosos e autoexplicativos foram dados pelos inventores europeus. Nicéphore Niépce deu dois nomes: um deles foi “heliogravura” (gravado pelo Sol), por se tratar de uma tentativa de impressionar um verniz fotossensível (betume da Judeia) sobre uma placa de gravura em metal; o outro nome foi “fisioautotipo”, que quer dizer algo como “imagem da natureza por si própria”. Outro pioneiro da fotografia, o inglês W. H. Fox Talbot, intitulou a sua publicação que é considerada o primeiro livro de fotografias – onde ele apresentava as images/stories resultantes de sua pesquisa – de The pencil of nature (O lápis da natureza).
Excetuando o extremo personalismo de Daguerre, que batizou o processo com o nome de “daguerreótipo”, podemos considerar que as denominações “fotografia”, “fisioautotipo”, “heliogravura” e “lápis da natureza” são nomes explicativos da essência de tudo o que veio a se chamar com um único nome: fotografia. Este elemento essencial – o mínimo múltiplo comum de todos os processos que resultam em uma imagem feita pela luz – é o fato de ser uma impressão luminosa das próprias coisas, um processo passivo onde as coisas refletem/projetam sua marca no suporte sensível à luz. O fotógrafo abre a porta da câmara e a luz é quem p(h)ode lá dentro.
Um fotógrafo tem de estar muito mal intencionado para propor um trabalho autoral com fotografia, pois, fazendo as contas, em um processo de construção de images/stories, onde as coisas se designam por reflexos de si mesmas, o autor (?) fotógrafo fica devendo às coisas fotografadas no mínimo cinquenta por cento da autoria. Quando o fotógrafo (autor/sujeito) fotografa uma pessoa (outro sujeito,) esta divisão de autoria se dá até no verbo usado para o ato de fazer a imagem, pois ambos, modelo e fotógrafo, fotografam.
A Gisele Bündchen fotografa muito bem. Ela vai ao estúdio para fotografar, e, por ser boa modelo, dificilmente se deixa ser fotografada, ela é quem fotografa para o fotógrafo.
Outras coisas fotografam muito bem: botox; roupas de marca; rir ao celular com muita satisfação; carros potentes e polidos ao lustro. Até a fome fotografa muito bem.
De acordo com este raciocínio, portanto, a máxima autoria que um fotógrafo pode conseguir é fotografando a si mesmo. Para isso existem várias estratégias conhecidas: virar a câmera para si mesmo, usar o disparador automático, longos cabos de disparo, o próprio reflexo, a sua sombra, partes do seu corpo, entre outras.
Cabe lembrar o que já foi dito por muitos que se debruçaram sobre a fotografia com muito mais seriedade do que eu: ela é a primeira imagem em que o sujeito se viu como um outro; que permitiu que ele se visse como os outros o veem, incluindo partes de si mesmo que nós não vemos, como as costas, por exemplo.
A representação de si mesmo através da fotografia – que também pode ser chamada de autorretrato (feito com fotografia) – teve sem querer, com o acordo ortográfico, um acerto doloso, reservando um campo do fazer fotográfico em que de fato é o único onde a autoria em fotografia é possível sem questionamentos, ao pé da letra e à luz do processo.

EDGAR ALLAN POE, ANO DUZENTOS

O sobrenome Allan originou-se da família que o adotou ao ficar órfão da mãe Elizabeth Arnold Poe, uma atriz de teatro casada com o também ator David Poe, que a essa altura já havia tomado um rumo para sempre ignorado, se é que já não houvesse também falecido. Assim pode-se dizer que Edgar Poe nasceu por acaso na aristocrática cidade de Boston, Massachusetts, no dia 19 de janeiro de 1809, pois seus pais ali se encontravam para cumprir sob contrato uma temporada de representações num dos teatros locais. Os parentes do lado materno, ingleses, também tiveram alguma ligação com o teatro (seus avós foram atores em Londres), e David era americano com ascendência irlandesa. Os formadores da família Poe nos Estados Unidos haviam chegado, provavelmente, três gerações antes do nascimento de Edgar.Como muito bem observou Julio Cortázar, tradutor de Poe na Argentina, o sangue inglês e americano “chegou-lhe duplamente enfraquecido e impuro pela má saúde de seus pais, ambos tuberculosos”. Ainda há dúvidas se David já havia abandonado a mulher com dois filhos e grávida do terceiro (Rosalie), mas o fato é que ele não mais está presente no círculo familiar quando a menina nasceu em Norfolk, na Virgínia. Assim como ocorreu no nascimento de Edgar, três semanas depois Elizabeth já estava de volta aos palcos porque precisava desesperadamente de dinheiro. Antes que Edgar completasse o terceiro ano de vida, a mãe não resistiu os efeitos da miséria e da doença, ficando as crianças aos cuidados de algumas damas caridosas de Richmond.Cortázar diz que a Virgínia, na época, “representava muito mais o espírito sulista do que uma olhada casual no mapa dos Estados Unidos levaria a supor”, pois ali despontariam as tendências “que logo fermentariam no abolicionismo e o regime escravista e feudal do sul”. Mesmo tendo nascido em Boston, Edgar cresceu como sulista e jamais abdicou dessas características. Pouco depois foi adotado pelo comerciante John Allan, um emigrante escocês fixado em Richmond, onde era sócio duma empresa dedicada ao comércio de tabaco e outras atividades curiosas, como a representação de revistas britânicas. Foi no escritório da firma, conta Cortázar, que o pequeno Edgar teve seus primeiros contatos “com um mundo erudito e pedante, ‘gótico’ e novelesco, crítico e difamatório, no qual os restos da engenhosidade do século XVIII se misturavam com o romantismo em plena eclosão, no qual as sombras de Johnson, Addison e Pope abriam espaço lentamente para a fulgurante presença de Byron, a poesia de Wordsworth e os romances e contos de terror”. Com base na biografia escrita por Hervey Allen (Israfel), publicada no Brasil nos anos 40 do século passado pela antiga Editora Globo de Porto Alegre, Cortázar assinala que “boa parte da tão debatida cultura de Poe saiu daquelas leituras precoces”.Edgar se tornou um membro da família Allan graças ao grande amor que por ele sentia Frances (mulher de John), segundo Cortázar, “primeira influência feminina benéfica na vida de Poe”. Quanto ao comerciante, mesmo concordando com os insistentes pedidos da mulher que nutria verdadeiro amor pelo menino, sempre guardou em segredo a enorme reserva quanto aos necessários trâmites para a adoção legal, que jamais se consumou. Por esse motivo é que Cortázar lembra que John Allan foi para Edgar um quase involuntário protetor: “Era um homem seco e duro ao qual os anos, os reveses e, por fim, uma grande fortuna tornaram cada vez mais tirânico. Para sua desgraça, e de Edgar, as naturezas de ambos divergiam da maneira mais absoluta. Quinze anos mais tarde iriam se chocar encarniçadamente, e os dois cometeriam erros tão grosseiros quanto imperdoáveis”.Nas inúmeras vezes em que deve ter perambulado pelo escritório do pai, sempre cheio de capitães de veleiros que vinham a negócios ou pelo simples prazer da conversa e dos tragos amigáveis, é Cortázar quem intui, “o pequeno Edgar deve ter vislumbrado, ouvinte ansioso, as primeiras images/stories de Arthur Gordon Pym, do redemoinho do Maelstrom e todo aquele ar marinho que circula em sua literatura e que ele soube recolher em velames que ainda hoje impulsionam seus barcos de fantasmas”. Em 1815, o filho ainda na infância acompanhou os pais numa viagem de navio à Inglaterra e Escócia, onde Allan tencionava entabular novos negócios e visitar familiares. O garoto viveu algum tempo em Irvine (Escócia) e depois em Londres, cenários mais tarde descritos no enigmático conto William Wilson que narra a experiência escolar vivida entre 1816 e 1820.A família retornou a Richmond em 1820 e ao completar 15 anos Edgar já fazia as primeiras incursões na futura carreira literária, garatujando versos que fazia chegar pelas mãos da irmã Rosalie, adotada por outra família de posses, a formosas jovenzinhas de um colégio renomado da cidade. A essa altura, Cortázar diz que Poe “sentia enorme influência de Byron, modelo de todo poeta jovem nessa década” não apenas no estilo de escrever, mas igualmente nas facetas mais variadas. Assim é que “diante da estupefação de colegas e professores, nadou seis milhas contra a corrente do rio James e se transformou no efêmero herói de um dia”. Já se manifestavam, portanto, os sinais de precocidade, talento inegável, orgulho, excitabilidade e alguma violência nascida duma fraqueza fundamental que o fazia tratar com intolerância os inadvertidos competidores. É dessa fase o primeiro amor impossível da vida de Edgar, a jovem e bela Helen Stanard, mãe de um colega de bancos escolares. “Helen, tua beleza é para mim como as remotas barcas nicenas que, docemente, sobre um mar perfumado, traziam o cansado viajante erradio de volta às suas praias nativas”, escreveria a respeito da amada platônica num dos seus poemas mais misteriosos e admiráveis, conforme anotou Cortázar. “Exteriormente, as diferenças de idade e estado social condicionaram o diálogo, fizeram dessa relação um colóquio amistoso que continuou até o dia que Edgar não pôde mais visitar a casa dos Stanard”. Helen adoeceu gravemente e se afastou dos amigos, morrendo em 1824, aos 31 anos. “Há uma ‘história imortal’ que mostra Edgar visitando à noite o túmulo de ‘Helen’. Há testemunhos, igualmente imortais, embora menos românticos que provam o desconcerto, a dor contida, a angústia sem expansão possível. Edgar ficava em silêncio na escola, fugia das brincadeiras, das escapulidas; todos os colegas notaram aquele comportamento sem desconfiar de sua causa e, muitos anos mais tarde, quando o mundo soube quem ele era, lembraram disso em memórias e cartas”.O refúgio no aconchegante lar dos Allan, apesar do terno amor da mãe adotiva, foi pouco para o adolescente precoce, que respondia à severidade crescente de John com demonstrações de rebeldia juvenil. A diferença entre ambos aumentou quando Edgar soube que o comerciante tinha outros filhos naturais, levando-o a suspeitar que jamais seria adotado legalmente. A situação também atormentava Frances, com quem Edgar partilhava o sofrimento, não minorado sequer pela polpuda herança recebida por John de um tio ou pela linda casa nova para a qual se mudaram. “John Allan começou a saber o que é ter um poeta – ou alguém que quer chegar a sê-lo – em casa. Sua intenção era fazer de Edgar um advogado ou um bom comerciante, como ele. Não há necessidade de discorrer mais sobre a razão fundamental de todos os choques futuros”, lembra Cortázar.O namorico com Sarah Elmira Royster foi interrompido pela matrícula de Edgar na Universidade da Virgínia, em Charlottesville, para onde partiu no gelado fevereiro de 1826. No caminho entregou ao cocheiro uma carta para Elmira, provavelmente a última mensagem que a jovem recebeu do admirador. Uma pérfida combinação entre John e Royster interceptou todas as cartas enviadas por Edgar a Elmira e essa acabou se convencendo que fora esquecida pelo namorado, casando-se com outro pretendente, de sobrenome Shelton e que segundo Cortázar “correspondia muito melhor que Edgar à idéia que Allan e os Royster do mundo sempre têm a respeito dos esposos adequados”. O ingresso do jovem Poe na vida acadêmica logo foi contagiado pelo clima de libertinagem e dissipação que encontrou na convivência com seus colegas, bem ao contrário da esperança acalentada por Thomas Jefferson, gênio fundador da citada universidade. “Os estudantes, filhos de famílias ricas, jogavam a dinheiro, bebiam, brigavam e se batiam em duelo, endividando-se com a maior extravagância, certos de que ao final de cada período escolar seus pais pagariam tudo”, e com Edgar não foi diferente, embora John tenha negado desde o primeiro momento remeter quantia maior de dinheiro que a suficiente para custear corriqueiras despesas pessoais. Nesse sentido, o arguto comerciante se escudava num agudo senso prático e na proverbial avareza que se acentuava com o passar dos anos.Acabrunhado pela falta de notícias de Elmira, sem saber que para isso concorria a trama concebida pelos pais de ambos, Edgar se deixou atrair pelas doidices da maioria dos colegas, prefaciando um cenário sombrio para a curta existência: “Pela primeira vez ouvimos o álcool ser mencionado na vida de Edgar. O clima na universidade era tão favorável quanto o de uma taverna: Poe jogava, perdia quase invariavelmente, e bebia. Isto leva a pensar em Puchkin, o Poe russo. Mas o álcool não fazia mal a Puchkin, ao passo que desde o princípio causava em Poe um efeito misterioso e terrível, para o qual não há explicação satisfatória a não ser sua hipersensibilidade, suas taras hereditárias, aquele ‘feixe de nervos’ à flor da pele. Bastava-lhe beber um copo de rum (e o bebia de um só gole, sem saborear) para se intoxicar”. É ainda Cortázar quem afirma que “o segundo gole o submergia na bebedeira mais absoluta, e o despertar era lento, torturante. Poe se arrastava durante dias e dias até recuperar a normalidade”.Embora agindo como um doidivanas, Edgar desperta a atenção de todos pelo excelente desempenho em línguas clássicas (que falava e traduzia), história antiga e natural, matemática, astronomia, além de leituras copiosas de romancistas e poetas. Na outra face da moeda, desenhava com assanhada voluptuosidade o seu lado libertino, até que o frio John Allan recusou pagar pesada dívida contraída nas noitadas de jogatina. “Edgar teve que abandonar a universidade. Na época, uma dívida podia levar uma pessoa à cadeia ou, pelo menos, impedir-lhe o reingresso no estado em que a contraíra. Edgar quebrou os móveis do seu quarto para acender um fogo de despedida (era dezembro de 1826) e abandonou a casa de estudos. Seus colegas de Richmond o acompanharam; para eles era o começo das férias, mas Poe sabia que não voltaria mais”.Frances o recebeu com o desvelo de sempre, mas as coisas com John pareciam não ter conserto e o enfrentamento se tornou insuportável porque Edgar não aceitava seguir outra carreira senão a das letras, para a qual se sentia irremediavelmente vocacionado. A ruptura não demorou e o jovem decidiu tomar o rumo de Boston, onde nascera, em busca de oportunidades. A extrema dureza de John foi compensada pela boa mãe que deu algum dinheiro ao rapaz que se pôs a caminho para tentar a sorte. Os biógrafos não conseguiram descobrir o que fez Edgar entre os anos de 1827 a 1829, embora o próprio tivesse recheado o período com fantasiosas viagens à Rússia, França e Inglaterra. “Hoje sabemos que não saiu dos Estados Unidos”, registram os biógrafos, embora tivessem anotado um feito definido por Cortázar como prova da determinação de viver de acordo com o seu destino: “Mal chegou a Boston, a amizade incidental com um jovem impressor lhe permitiu publicar Tamerlão e outros poemas, seu primeiro livro (maio de 1827)”, para dizer o mínimo, um rotundo fracasso de vendas. A miséria apertou o cerco em torno do jovem literato que, sem outra solução, alistou-se como soldado raso no exército norte-americano. Servindo no forte Moultrie, na Carolina, o escritor em processo ao observar a pitoresca paisagem local recolheu o material que tempos depois serviria de cenário perfeito para o conto O escaravelho de ouro.Os cinco anos que pretendia passar no exército foram abreviados para dois, mas o pedido de baixa requeria um pistolão à altura. O remédio foi apelar para John Allan, mas a resposta para o pedido foi o silêncio. Sem desistir do intento, Poe inventou um estratagema que talvez convencesse o pai a interceder por ele: decidira ingressar na academia militar de West Point, em verdade uma carreira promissora imediatamente chancelada pelo pai. Mas nesse interregno Edgar foi abalado pela da morte de Frances, sua adorada mãe que sequer conseguiu ver no caixão, pois a mensagem chegaria tarde demais no quartel para o qual havia sido transferido. Enquanto aguardava a viabilização de sua ida para West Point, com o pouco dinheiro recebido de John, Edgar procurou fazer contatos mais próximos com editores e diretores de revistas, visando publicar o longo poema Al Aaraaf (1829), sem sucesso. Frustrado, o poeta viajou para Baltimore em busca da verdadeira família. Sem recursos financeiros, encontrou abrigo na casa de sua tia Maria Clemm, onde moravam também a avó paterna de Edgar, o irmão mais velho que morreria aos 24 anos, vítima de tuberculose em último estágio, além dos filhos de Maria, Henry e Virgínia. Esta “viria a constituir o complexo e jamais resolvido enigma da vida do poeta”, escreveu Cortázar. A duras penas consegue publicar num só volume o poema Al Aaraaf e os anteriores de Tamerlão, seu livro de estréia ainda ignorado pelo público.A chegada na academia ocorreu em 1830, onde imediatamente Edgar percebeu que a vida seria mais penosa e desagradável que a do soldado raso na Carolina, sobretudo em função do rigor dos exercícios físicos exigidos dos cadetes, um tormento para um organismo em processo inicial de debilitação. O velho Allan prosseguia fiel ao intento de tratar o jovem a pão e água, negando até os míseros centavos para as despesas comezinhas. Seis meses depois Edgar já arquitetava uma trama que reverteria em sua expulsão, insistindo em violações do rígido código disciplinar da escola militar, tais como o não comparecimento às aulas e serviços religiosos. Antes de sair, contudo, foi capaz de um feito digno de menção: com a ajuda de um coronel, conseguiu que os colegas de West Point lhe doassem o dinheiro necessário para custear a edição de mais um volume de poesias: Israfel, A Helen e Lenore. No dia 19 de fevereiro de 1831, um mês depois de completar 22 anos de idade embarcou para Nova York, mas a fome e o frio o fizeram regressar à casa de Maria Clemm em Baltimore, onde pouco depois morreria seu irmão mais velho. Cortázar lembra que o pequeno aposento que dividia com o irmão restou inteiro para Edgar e, a atenção que antes dava à poesia volta-se para o conto, “gênero mais vendável” e capaz de responder efetivamente à principal carência do jovem literato. “Poe logo percebeu que seu talento poético, devidamente encaminhado, podia criar no conto uma atmosfera especialíssima, subjugante, que ele dever ter sido o primeiro a vislumbrar com irreprimível emoção. Tudo consistia em não confundir conto com poema em prosa e, sobretudo, não confundir conto com fragmento de romance. A conclusão do autor de O jogo da amarelinha é perfeita: “Edgar não era homem de incorrer nestes erros grosseiros, e seu primeiro relato publicado, Metzengerstein nasceu como Palas, armado de cima abaixo, com todas as qualidades que alguns anos mais tarde chegariam à perfeição”.Jamais se chegará a compreender a forma pela qual amadureceu a vocação de um escritor acossado pela fome e a miséria quase absoluta, não fosse a extraordinária bravura de Maria Clemm que, por volta dos anos 1830 e 1831 andava com uma cesta pela vizinhança, na qual as amigas depositavam legumes, ovos e frutas. O escasso dinheiro que Edgar conseguia ganhar sumia rapidamente, mesmo que o rapaz fosse austero o suficiente para entregá-lo todo à proficiência da amada tia. Por esta época, enredado pelos laços que o acompanhariam até o final da vida, as paixões impossíveis, Edgar namora uma vizinha dos Clemm, a bela Mary Devereaux, responsável pela mais perfeita descrição de Poe, mesmo decorridos tantos anos: “Seu cabelo era fino como a seda; os olhos, grandes e luminosos, cinzentos e penetrantes. Mantinha o rosto completamente barbeado. Seu nariz era longo e reto, e os traços muito finos; a boca, expressivamente bela. Ele era pálido, exangue, de pele lindamente olivácea. Tinha um olhar triste e melancólico. Era extremamente magro... mas tinha uma fina postura, um porte ereto e militar, e caminhava rapidamente. O mais encantador nele, porém, eram seus modos. Era elegante. Quando fitava alguém parecia capaz de ler seus pensamentos. Possuía uma voz agradável e musical, mas não profunda. Usava sempre uma jaqueta preta abotoada até o pescoço... Não seguia a moda, tinha seu estilo próprio”. Como tantos outros, o romance com Mary durou pouco.Em julho de 1832, Edgar ficou sabendo que John Allan, gravemente enfermo, fizera um testamento. Resolveu seguir ao encontro do pai, mas as coisas ficaram ainda piores. Já havia uma segunda sra. Allan e essa o recebeu como a um intruso. Com o pai doente a discussão foi ainda mais lamentável e a visita resultou em rancoroso fracasso. Um ano depois o rompimento final de Edgar com John Allan se consumou, servindo como consolo o recebimento do primeiro premio (50 dólares) num concurso de contos promovido pelo Baltimore Saturday Visiter, com Manuscrito encontrado numa garrafa. No ano seguinte John Allan expirou sem deixar ao filho adotivo um miserável tostão de sua imensa fortuna.O poeta Paul Valéry escreveu em 1924 que Edgar Allan Poe, “este grande homem”, estaria hoje completamente esquecido não houvesse Baudelaire se incumbido de introduzi-lo na literatura européia. “Não nos furtemos de observar aqui que a glória universal de Edgar Poe não é ofuscada nem contestada a não ser em seu país de origem e na Inglaterra”, acrescentou. Vale lembrar que as palavras de Valéry foram escritas 75 anos depois da morte de Poe (1849), significando que mais de sete décadas já haviam transcorrido e a obra imortal do poeta bostoniano ainda continuava execrada nos meios literários mais avançados.Assim, coube a Charles Baudelaire (1821-1867), o poeta francês que encontrou a mesma vereda calcada por inumeráveis malditos da literatura mundial, a glória pessoal de ter descoberto a obra de Poe e, no dizer esplendoroso de Valéry construído uma identidade tão íntima com o autor de O corvo, a ponto de trocarem valores entre si: “Cada um dá ao outro o que tem e recebe do outro o que não tem”. Poe revela a Baudelaire todo um sistema de novos e profundos pensamentos: “Ele o esclarece, o fecunda, determina suas opiniões quanto a uma diversidade de temas: filosofia da composição, teoria do artificial, compreensão e condenação do moderno, importância do excepcional e de uma certa estranheza, atitude aristocrática, misticismo, o gosto pela elegância e precisão, a própria política... De tudo isto Baudelaire se impregnou; tudo ele absorveu, interiorizou”.A contrapartida, diz ainda Valéry, foi sublime, pois “em troca destes bens, Baudelaire empresta ao pensamento de Poe uma dimensão infinita”, tornando possível uma constatação ao mesmo tempo grandiosa e eterna: “Ele o apresenta ao futuro”. Valéry expressou também uma convicção inigualável sobre a influência de Poe na literatura vindoura: “Quer tratemos de Julio Verne e de seus seguidores, de Gaboriau e de seus pares, ou, em gêneros bem mais rebuscados, evoquemos as produções de Villiers de l’Isle-Adam ou as de Dostoievski, é evidente que A narrativa de Arthur Gordon Pym, Os crimes da rua Morgue, Ligéia e O coração denunciador lhes serviram de modelos fartamente ilustrados, profundamente estudados, jamais ultrapassados”.Citando diretamente a poesia de Baudelaire, Valéry assinalou que não poucos poemas de As flores do mal “extraem dos poemas de Poe seu sentimento e sua substância. Alguns contêm versos que são exatas transposições”. A comunhão espiritual e literária entre Edgar Poe e Charles Baudelaire decerto começou antes, mas tem sua primeira revelação com a publicação em La liberté de penser, do dia 15 de julho de 1848, do conto Revelação mesmeriana, primeiro texto poeano a ser traduzido para o idioma francês pelo autor de Pequenos poemas em prosa. Quatro anos mais tarde, em 1852, na edição correspondente aos meses de março/abril, a Revue de Paris daria a conhecer ao mundo literário o ensaio Edgar Allan Poe, sua vida e suas obras, mediante o qual Baudelaire cumpria o feito memorável de apresentar ao futuro, na feliz acepção de Paul Valéry, a controvertida e, sobretudo, injustiçada personalidade do gênio transformador da arte de pensar. Baudelaire se refere a Edgar com um respeito fraternal: “Cabe-me escrever a história de um destes ilustres infelizes, por demais rico em poesia e em paixão, que veio, após tantos outros, fazer neste mundo mesquinho o rude aprendizado do gênio entre almas inferiores”. A constatação imediata de Baudelaire diz respeito aos malefícios que os Estados Unidos causaram a Poe, servindo em apropriada metáfora como “vasta prisão que ele percorria com a agitação febril de um ser feito para respirar em um mundo mais aromal”, na verdade transmutado na armadilha em que “sua vida espiritual de poeta ou mesmo de bêbado não era mais que um esforço perpétuo em escapar à influência desta atmosfera incompatível”.Depois da leitura cuidadosa da biografia de Poe escrita, a pedido deste, pelo reverendo Rufus Griswold, editor da prestigiada Graham’s Magazine, Baudelaire enquadrou-o como um vampiro-pedagogo que “difamou extensamente seu amigo num enorme artigo, crasso e odioso, bem à testa da edição póstuma de suas obras”. E perguntou indignado: Será que não existe na América um regulamento que impeça os cães de entrarem nos cemitérios? Ao citar a morte do poeta, Baudelaire diz que a mesma foi um suicídio longamente preparado, levando-o a valorizar a opinião de um desconhecido que escreveu ter a América literária perdido “sua inteligência mais ilustre”. Todavia, o reconhecimento mais profundo foi reservado “ao coração trespassado por sete espadas” de Maria Clemm: “Para mim, esta é uma grande mulher da mais alta nobreza. Atingida por um golpe irreparável, só pensa na reputação daquele que era tudo para si, e não bastava, para contentá-la, que se dissesse que ele era um gênio; era preciso que se soubesse que era um homem de respeito e de afeto. É evidente que esta mãe – uma tocha e uma lareira iluminadas por um raio do mais alto do céu – foi dada como um exemplo à nossa raça tão indiferente à devoção, ao heroísmo e a tudo que esteja além do dever”.É bem conhecido o fato do casamento de Edgar com a ainda adolescente Virgínia, filha de Maria Clemm e, portanto, sua prima irmã. O primeiro casamento realizado em Baltimore, conforme o biógrafo Hervey Allen ficou em segredo e teve como única testemunha a própria mãe da noiva, tendo em vista a irrestrita oposição de parentes próximos em face da tenra idade de Virgínia. Jamais se conhecerá a medida exata do amor dedicado por Maria Clemm a Eddie e à frágil Virgínia e, tampouco, que sentimentos recônditos levaram-na a consentir com o casamento. A segunda cerimônia aconteceu no juizado de paz da cidade de Richmond, a 16 de maio de 1836, tendo a jovem declarado a idade de 21 anos. “Na realidade, tinha ela menos de 14 anos de idade naquele tempo e a aparência de uma criança”, relatou Hervey. Numa dedução correta Cortázar acrescentou que Virgínia jamais teve perfeito desenvolvimento mental, sempre se comportando como a criança que foi até o fim. Para ele, “a hipótese mais sensata é a de que Poe casou-se com Virgínia para se proteger dos relacionamentos com outras mulheres e mantê-los no terreno da amizade”, gerando obviamente uma cascata de interpretações ambíguas: “A única coisa verossímil é supor uma inibição sexual de caráter psíquico, que obrigava Poe a sublimar suas paixões num plano de devaneio e idealização, mas que ao mesmo tempo, o atormentava a ponto de exigir-lhe ao menos uma fachada de normalidade, fornecida neste caso por seu casamento com Virgínia”.Dificuldades financeiras ilimitadas marcavam a vida de Edgar, agora casado legalmente com a prima Virgínia, mas como se sempre fez, ele não se intimidou e continuou escrevendo contos e resenhas literárias, oferecendo-as aos editores de inúmeros magazines. Foi o gesto solidário de uma espécie de protetor que resultou na apresentação de Edgar, em março de 1835, ao proprietário do Southern Literary Messenger, editada em Richmond, na qual estreou o conto Berenice. Meses depois Edgar foi convidado a integrar-se à redação da revista, naquele que foi o primeiro emprego decente de sua vida. Todavia, nesse mesmo período se acentuam os problemas com o álcool e o ópio (em forma de láudano). Aos 26 anos, Edgar estava prematuramente envelhecido e sua vestimenta, habitualmente de cor preta, dava-lhe a aparência byroniana que cultivaria com esmero até a morte. O trabalho no Messenger rendia a Edgar a quantia de dez dólares por semana, o reencontro com amigos do tempo em que viveu na cidade, mais a ausência de Virgínia e Maria Clemm, que continuavam residindo em Baltimore, contribuíram para a volta ao ambiente boêmio que tanta fascinação exercia sobre ele. A mulher e a tia acabaram se mudando para Richmond diante das crises nervosas agravadas pelas bebedeiras do escritor, que assim mesmo seguia produzindo editoriais, artigos de fundo, resenhas e contos, com os quais conquistaria a fama. A revista, que conseguirá multiplicar oito vezes a tiragem desde que os escritos de Poe começaram a ser publicados, agora oferecia aos leitores na forma de folhetim a Narrativa de Arthur Gordon Pym.Não demorou, porém, e a família Poe estava novamente na estrada em direção a Nova York, onde a depressão econômica da presidência Jackson tornava quase impossível encontrar um lugar na imprensa. Novos contos foram escritos e Gordon Pym ganhou a forma de livro, embora tenha repetido a saga dos livros anteriores mofando nos depósitos das livrarias. Em 1838, a família aparece instalada em humilde pensão da Filadélfia, na época, o maior centro editorial e literário da América. Aparecem Ligéia, o texto preferido pelo próprio Edgar, e um ano depois A queda da casa de Usher, com uma profusão jamais ultrapassada em outras produções de elementos biográficos que sublinham – testemunhou Cortázar – “o lado anormalmente sádico e necrofílico do gênio de Poe, assim como a presença do ópio”. Já com a idéia de editar sua própria revista, Edgar assumiu a função de consultor literário do Burton’s Magazine, imediatamente colocada à frente das demais.Em dezembro de 1839 sai mais um volume assinado por Edgar Allan Poe – Contos do grotesco e do arabesco – que anos depois seria traduzido por Charles Baudelaire sob o título Histórias extraordinárias, pelo qual é conhecido até hoje. Com o aparecimento do Graham’s Magazine, em 1840, Poe foi convidado para o posto de diretor literário. O trabalho nessa revista foi retumbante, e o resultado logo apareceu na circulação que saltou de cinco mil para quarenta mil exemplares mensais. O salário pago ao diretor, porém, era mesquinho. Enquanto isso brotam da pena inspirada de Poe outras jóias como Eureka, Os crimes da rua Morgue, e O mistério de Marie Roget, sendo que nos dois últimos textos mencionados, Poe apresentou ao mundo seu alter ego, C. Auguste Dupin, enfim, a fórmula primordial que serviria de roteiro para uma infinidade de autores de contos policiais ou de terror.No final de janeiro de 1842, Virgínia sofreu uma hemoptise brutal e entrou numa fase de crescente agonia que prenunciava o fim. Poe começou a beber feito um desesperado e perdeu o emprego na Graham’s. Em compensação passa a rabiscar os primeiros versos de O corvo, a obra-prima carinhosamente burilada que só viria a ser concluída alguns anos mais tarde, enquanto o autor pulava de um emprego para outro. No inverno de 1845, o Broadway Journal, de Nova York, publica o poema e o nome de Edgar Allan Poe é divulgado “para além das fronteiras de sua pátria e o transforma no homem do momento”. Segundo Cortázar “a misteriosa magia do poema, seu apelo obscuro, o nome do autor, satanicamente aureolado por uma ‘legenda negra’ confabularam-se para fazer de O corvo a própria imagem do romantismo na América do Norte e uma das mais memoráveis instâncias da poesia em todos os tempos”. A apoteose literária de Poe, a abertura dos salões elegantes para suas conferências, enfim, a glória construída sob o império da pobreza, é também o ponto inicial da tragédia.Virgínia morreu no final de fevereiro de 1847 e Poe acompanhou o cortejo fúnebre envolto na velha capa de cadete trazida de West Point, nos últimos meses a única coberta do leito da moribunda. Dilacerado pela perda da amada, Edgar tenciona reavivar antigos casos de amor, mas tudo isso parece decorrer de uma insanidade crescente e fatal. Em setembro de 1849, afinal, o poeta marca casamento com Elmira Royster, sua noiva distante e, agora, uma respeitável viúva. Antes Edgar teria de viajar mais uma vez a Nova York a fim de ultimar os preparativos para a edição completa de suas obras, com o reverendo Rufus Griswold, o mesmo que viria a ser seu maior carrasco. Depois de pronunciar a última conferência sobre o princípio da composição poética, em Richmond, na madrugada do dia 29, Poe foi levado pelos amigos para o embarque com destino a Baltimore. O círculo vicioso se fecharia a bordo do navio, pois decerto Poe bebeu durante a travessia, embora estivesse sóbrio ao desembarcar na cidade segundo o testemunho de amigos. O que ocorreu nos cinco dias seguintes jamais se conseguiu saber. Havia eleições em Baltimore e muitos conjecturam que em troca de doses fartas e gratuitas Poe se deixou usar como “eleitor de cabresto” por um dos partidos, sendo arrastado entre um copo e outro pelos vários distritos eleitorais, até ser levado em coma a um hospital.As derradeiras palavras ditas pelo extraordinário poeta foram: “Que Deus ajude minha pobre alma”. Raiava o alvorecer do dia 7 de outubro de 1849 e o homem que deixava a vida para ingressar na lenda, mal completara 40 anos.

Prensa Latina - Cira Rodríguez

A existência no mundo em desenvolvimento de 146 milhões de crianças menores de cinco anos com baixo peso contrasta com a realidade das crianças cubanas, reconhecida mundialmente por estar fora deste mal social.Esses números alarmantes apareceram em um relatório recente do Fundo das Nações Unidas para a Infância (UNICEF), intitulado Progresso para a Infância, um boletim sobre Nutrição, lançado na sede da ONU.Segundo o documento, a percentagem de crianças com baixo peso é de 28 por cento na África subsaariana, 17 no Oriente Médio e no Norte da África, 15 na Ásia Oriental e Pacífico e 7 na América Latina e Caribe.O quadro é completado pela Europa Central e Oriental, com 5 por cento, e outros países em desenvolvimento, com 27 por cento.Cuba não tem esses problemas, e é o único país da América Latina e do Caribe que eliminou a desnutrição infantil grave, graças aos esforços do governo para melhorar a nutrição das pessoas, especialmente as mais vulneráveis.As duras realidades do mundo mostram que 852 milhões de pessoas sofrem de fome e que 53 milhões delas vivem na América Latina. Só no México há 5.200.000 pessoas subnutridas e no Haiti, três milhões e 800 mil, enquanto em todo o mundo morrem de fome a cada ano mais de cinco milhões de crianças.De acordo com estimativas das Nações Unidas, seria muito caro conseguir saúde básica e nutrição para todos os povos do Terceiro Mundo.Porém, bastaria para atender a essa meta 13 bilhões de dólares adicionais por ano para o que se pretende agora, uma cifra que nunca foi alcançada e é minúscula em comparação com os milhões de milhões que são gastos anualmente em publicidade comercial, os 400.000 milhões movimentados pela venda de drogas, ou de até oito bilhões dos gastos em cosméticos nos Estados Unidos.Para a satisfação de Cuba, a Organização das Nações Unidas para a Alimentação e a Agricultura (FAO) também reconheceu que este é o país com maior progresso na América Latina na luta contra a desnutrição.O Estado cubano garante uma cesta básica que permite a alimentação da sua população, pelo menos nos níveis básicos, através da rede de distribuição de produtos regulamentados.Da mesma forma, são feitos ajustes econômicos em outros mercados e serviços locais para melhorar a nutrição do povo cubano e aliviar a escassez de alimentos. Especialmente mantém-se uma vigilância constante sobre a vida de crianças e adolescentes. Assim, a atenção para a nutrição começa com a promoção de uma forma melhor e natural de nutrição da espécie humana.Desde os primeiros dias de vida os inúmeros benefícios do aleitamento materno justificam todos os esforços feitos em Cuba para a saúde e o desenvolvimento da sua infância.Isso permitiu aumentar a percentagem de recém-nascidos que permanecem até o quarto mês de vida, a amamentação exclusiva e até mesmo a continuidade do consumo de leite, complementada com outros alimentos até os seis meses de idade.Atualmente, Cuba tem 99 por cento dos recém-nascidos egressos de maternidades com aleitamento materno exclusivo, superior a meta que era de 95 por cento, segundo dados oficiais, o que indica que todas as províncias cumprem essa meta.Apesar das difíceis condições econômicas atravessadas pela Ilha, se garante a alimentação e nutrição das crianças mediante a entrega diária de um litro de leite a todas as crianças de zero a sete anos de idade.Adicionando a isso a entrega de outros alimentos, como geléias, sucos e carnes, que, dependendo da disponibilidade econômica do país, são distribuídos de forma equitativa para crianças em idades menores.Até os 13 anos de idade a prioridade de distribuição subsidiada de produtos complementares, tais como o iogurte de soja, e em catástrofes naturais, as crianças são protegidas pela distribuição gratuita de alimentos básicos.Crianças incorporadas aos Círculos Infantis (berçários) e escolas primárias com regime de semi-internado também se beneficiam do esforço contínuo para melhorar suas dietas, em termos de componentes dietéticos lácteos e proteína.Com o apoio da produção agrícola, mesmo em condições de seca severa, e do aumento das importações de alimentos, a ingestão de nutrientes atinge por cima os padrões estabelecidos pela FAO.Em Cuba, este indicador é a média ficcional da soma do consumo de alimentos pelos ricos e pelos famintos.Além disso, o consumo social inclui a merenda escolar que é distribuída gratuitamente a centenas de milhares de estudantes e trabalhadores da educação, as cotas especiais de alimentos para crianças de até 15 anos e pessoas acima de 60 nas províncias orientais.Nesta lista estão cobertas as gestantes, mães lactantes, idosos e portadores de necessidades especiais, suplemento alimentar para crianças com baixo peso e pequeno tamanho, e fonte de alimento para os municípios em Pinar del Rio, Havana e a Ilha da Juventude.Estas instituições foram atingidas por furacões no ano passado, enquanto as províncias de Holguín, Las Tunas e Camagüey e cinco municípios estão enfrentando a seca.Nesse empenho colabora o Programa Alimentar Mundial (PAM), que contribui para a melhoria do estado nutricional das populações vulneráveis na região leste, onde se beneficiam mais de 631.000 pessoas.A cooperação do PAM com Cuba remonta a 1963, quando a agência prestou assistência imediata às vítimas do furacão Flora. Até essa data, realizaram no país cinco projetos de desenvolvimento e 14 operações de emergência.Recentemente, Cuba deixou de ser um receptor para ser um país doador.A questão da desnutrição torna-se muito importante na campanha das Nações Unidas para alcançar em 2015 os Objetivos do Milênio, adotada na Cimeira de Chefes de Estado e de Governo realizada em 2000, e entre seus objetivos está a erradicação da pobreza extrema e da fome até essa data.Porém, os cubanos dizem que essas metas não vão assustar ninguém, pois a própria ONU coloca o país na vanguarda do cumprimento desses desafios em matéria de desenvolvimento humano.Não sem deficiências, dificuldades e sérias limitações impostas por um bloqueio econômico, comercial e financeiro imposto pelos Estados Unidos há mais de quatro décadas.Nenhuma das 146 milhões de crianças menores de cinco anos que vivem abaixo do peso no mundo hoje é cubana.

PER SI

EDUCAÇÃO -> INTERVENÇÃO -> INTER-VIR -> INTER / PESSOAL :(DES) EDUCAR -> CRÍTICA -> (RE) CONHECER -> (IN) CONDICIONAL :INSTITUIR A DESCONSTITUIÇÃO, POR AFIRMAÇÃO INDIVIDUAL NA NEGATIVA INSTITUCIONALIZANTE :PREFIXAR O NORMAL : (A) NORMAL.EXCEÇÕES NÃO CONFIRMAM REGRA, SÃO CONDUTAS.DUTO -> (IN) DUZIR -> ADUZIR : "EDUCARE" : CONDUZIR. ABDUÇÃO - 'LEVAR PARA FORA'.EDUCA-SE FORA DA NORMA, NA REGRA DAS EXCEÇÕES,QUE RESTITUI "PERSONA" À IDADE, NA FORJA DA PERSONALIDADE.

Realidade imaginária

O 'potencial' (hoje já esquecido como sinônimo de 'virtual') ascende a realidades, se subordinado às interdependências; ou transcende ao surreal, quando vinculado a imaginários. A perpassá-lo, buscamos 'formas'. A vida, poisO 'potencial' (hoje já esquecido como sinônimo de 'virtual') ascende a realidades, se subO 'pO 'potencial' (hoje já esquecido como sinônimo de 'virtual') ascende a realidades, se subordinado às interdependências; ou transcende ao surreal, quando vinculado a imaginários. A perpassá-lo, buscamos 'formas'. A vida, pois, é morfo-lógica !?otencial' (hoje já esquecido como sinônimo de 'virtual') ascende a realidades, se subordinado às interdependências; ou transcende ao surreal, quando vinculado a imaginários. A perpassá-lo, buscamos 'formas'. A vida, pois, é morfo-lógica !?ordinado ou transcende ao surreal, quando vinculado a imaginários. A perpassá-lo, buscamos 'formas'. A vida, pois, é morfo-lógica !?, é morfo-lógica !?

INTERREGNO

quarta-feira, 29 de setembro de 2010

SENTIDO

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